Electric Religion

i-TEN . taking a cold look (1983)

2011-11-14T22:35:00.004-05:00

Pocas veces se topa uno con discos en el que todos los temas son hits; bueno, éste es uno de aquellos. Publicado en 1983 y poco reconocido en su época, esta obra maestra del AOR está plagada de finamente elaborados arreglos y pegajosas melodías. Encontrarán temas que luego fueron popularizados por Heart (Alone, tercer track del disco), REO Speedwagon (I Don't Want to Lose You, sexto tema del disco) e incluso Honeymoon Suite (con el clásico Cold Look, tema que abre el disco).

Reeditado en el año 2000 para beneplácito de los amantes del buen rock melódico, éste es realmente un 'Must Have'.

Reitero, todos los temas son hits.

Lista de canciones:

1.	Taking a Cold Look	3:54
2.	Quicksand	3:58
3.	Alone	3:58
4.	Workin' for a Lovin'	3:18
5.	Lonely in Each Other's Arms	4:57
6.	I Don't Want to Lose You	3:16
7.	Time to Say Goodbye	4:02
8.	The Easy Way Out	3:30
9.	I've Been Crying	3:45
10.	Pressing My Luck	3:43

Link de descarga:

http://www.2shared.com/file/6K1uRSUk/I-Ten.html

Antares - Sea Of Tranquility (1979)

2011-11-14T20:23:00.004-05:00

"Here men from the planet earth first set foot upon the Moon. We came in peace for all Mankind"

De lo más recóndito del catálogo progresivo nos llega este álbum, primera y última placa de la banda Antares, de fugaz aparición en la escena progresiva italiana. Pese a ello supieron dejar su huella con este buen disco debut, una de esas rarezas que le alegran a uno el día cuando las encuentra.

La formula es simple pero efectiva: atmósferas espaciales, guitarras melódicas y mucho feeling, condición suficiente para darle a este disco una oportunidad.

Recomendado.

Lista de canciones:

1. The Leaving (5:25)

2. My Girl Friend (6:10)

3. Apollo 11 (3:35)

4. Galaxy (3:34)

5. Running On The Meteors (4:56)

6. The Return (3:57)

Link de descarga:

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King Crimson - "Starless" (1974)

2011-09-29T18:35:00.014-05:00

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Me es difícil pensar en una canción más conmovedora, desgarradora, hermosa… perfecta. Monumental en toda su extensión, “Starless” (la última canción que editara KC en los 70’s) se ha convertido en un himno progre alrededor del orbe y la mejor muestra que una canción no tiene que trata de desamores para llevarte a las lágrimas.

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Desde el inicio, cuando las primeras notas ponen de manifiesto su cadencia sublime, sabemos que estamos frente a un temón. Poco a poco la guitarra de Fripp se encarga de transportarnos al lugar más oscuro de nuestras cabezas, donde sólo reina la desesperanza (porque a veces está bien sentirse mal, a veces es necesario “disfrutar” del dolor) para mostrarnos que también existe belleza en las emociones negativas, que en realidad no somos felices - lo único que tenemos son momentos de felicidad efímera – en fin… nos enseña la esencia de la vida misma.

La canción progresa y nos vemos atrapados por la insania de las guitarras de Robert, con su banda acompañando en pleno, hasta que se desata la locura máxima: un instrumental desquiciado liderado por un saxo rabioso, jazz de primera categoría, seguido de distorsión, más distorsión y… justo al final del corte regresa el riff principal, lleno de emociones, un riff de lo más puro, perfecto y absolutamente exquisito, lo mejor de la vida, que lo dejará a Ud. estimado oyente con todos los pelos de punta y con una apremiante sensación que ya nada volverá a ser igual, que ha cambiado, algo se rompió muy dentro suyo… abra los ojos, es Ud. otra persona, acaba de escuchar el mejor final de una canción que haya podido crearse. Gracias Robert Fripp y cia. por enseñarnos que en la miseria también podemos encontrar felicidad.

100% recomendado.

No posteamos nada hace buen tiempo...

2011-04-04T19:20:00.003-05:00

Y por ello quisiéramos decirles...

We're sorreee...

Lynyrd Skynyrd - Christmas Time Again (2000)

2010-11-02T15:22:00.007-05:00

No solo Mariah Carey o los Nsync le dedican unos temas a esta genial temporada. También encontramos a fantásticos intérpretes como Frank Sinatra, Johnnny Cash, el mismísimo Jimi Hendrix o a esta genial banda de southern rock, cuyos integrantes le dedican no sólo una canción sino un álbum completo a Santa Claus, al regocijo de la familia o a lo que uno crea que significa la Navidad.

Se escuchan rolas navideñas pero con ese estilo sureño que hizo conocido a Skynyrd entre sus fans. Parece increíble pero es cierto, es un muy buen álbum de temporada y tocado por completo por una verdadera banda de rock.

Como para ir entrando en el ambiente desde noviembre... Recomendado

Link de descarga:

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Arkus - 1914 (1981, Reissue 1993)

2010-10-27T16:18:00.007-05:00

Arkus, banda holandesa de rock Neo progresivo, formada a inicios de los 80's. Con canciones melodiosas, hacen remembrar bastante a Eloy.

Este album, 1914, lanzado en 1981, es un álbum conceptual basado en un poema de Bert Voeten y provée de obras maestras como Scared o la misma Overture con la que se inicia magistralmente el disco.

Como podrán apreciar, la musica de Arkus se orienta a la guitarra, es melodiosa y por momentos bastante emotiva y onírica. Bastante recomendada

Video colgado en youtube en el que el propio Frans Smits, lider y vocalista de Arkus, comenta que tras "1914", la banda siguió con la música con la que nos inspira en el año 1991 con su album "Win or Loose". Comenta además que están preparando un nuevo álbum.

Procedencia: Holanda

Miembros: Frans Smits (voz, guitarra), Ron Willems (guitarra), Jan-Henk Wiggelinkhuizen (cuerdas, organo, sintetizadores), John Bouwman (bajo, voz), Erik van Duin (batería, percusión, voz)

Link de descarga:

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David Gilmour - AOL Music Sessions (2006)

2010-10-24T20:12:00.009-05:00

Un regalo para toda la fanaticada del gran David Gilmour. Se trata de su perfomance completa en el AOL Music Sessions al mando de músicos de primer nivel, entre los cuales cabe destacar al también ex Pink Floyd Rick Wright.

El setlist incluye lo mejor de su última producción “On An Island” y dos tracks de su época en Pink Floyd: “Comfortably Numb” un clásico consagrado y la estremecedora “High Hopes”.

Disfrútalo en su versión mp3 a 320 kbps. Llévalo contigo en tu reproductor de música de bolsillo. Gilmour nunca decepciona.

Gracias a todos por sus visitas.

Keep on proggin’!

Lista de canciones:

"On An Island"
"This Heaven"
"Smile"
"Take A Breath"
"High Hopes"
"Comfortably Numb"

Link de descarga:

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Al Di Meola – Elegant Gypsy (1977)

2010-07-29T16:59:00.005-05:00

Segundo álbum de este genial guitarrista estadounidense, considerada por los entendidos como su obra cumbre y una de las piezas seminales de los años 70, acaso la mejor década del rey de la música: El Rock.

Apasionante de principio a fin, los adjetivos quedan cortos para calificar esta obra maestra del Jazz-Rock. Pasajes acústicos se confunden con riffs poderosos, piano, percusión y bajo complementando ese juego delicioso, completo dominio sobre los instrumentos y mucho, pero mucho sabor latino sería la mejor manera de describir esta placa llena de virtuosismo e imaginación.

A no perderse el duelo de guitarras entre Di Meola y de Lucía, autoridad máxima en flamenco, que más que una canción se convierte en una vitrina donde cada quien expone lo mejor de su arte, con ambos guitarristas alcanzado velocidades ridículas sin siquiera despeinarse.

Para finalizar, si bien a algunos shredders se les acusa de no poseer feeling, Di Meola nos demuestra que se puede tocar rápido, complejo y con sentimiento. Gran álbum y obra maestra que inspiraría a incontables músicos alrededor del orbe. Uno de los discos que deben escuchar antes de morir.

Integrantes:

Al Di Meola: Guitarras eléctricas, guitarras acústicas, piano, percusión
Paco de Lucía: Guitarra acústica (track 3).
Anthony Jackson: Bajo.
Jan Hammer: Teclados, sintetizador (tracks 1, 6).
Mingo Lewis: Percusión, teclados, sintetizador.
Barry Miles: Piano, teclados (tracks 2, 4).
Steve Gadd: Batería (tracks 1, 6).
Lenny White: Batería (tracks 2, 4).

Lista de canciones:

"Flight Over Rio"
"Midnight Tango"
"Mediterranean Sundance"
"Race With Devil on Spanish Highway"
"Lady of Rome, Sister of Brazil"
"Elegant Gypsy Suite"

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The boys are back in town!!!

2010-07-29T16:50:00.001-05:00

...retornamos a las andadas...

Yesterday's Children - Yesterday's Children (1969)

2009-11-11T18:21:00.010-05:00

Banda de Connecticut formada en el 1966. Empiezan tocando garage rock, contundente y demoledor como lo prueban en su primer single: ‘To Be Or Not To Be’. Sin embargo, se ven atraídos por el hard rock. Bajo esta influencia graban su primer y único disco, una auténtica joya a medio camino entre el hard rock y el rock progresivo.

La banda estaba formada por: Reggie Wright a la guitarra solista, Denis Croce a la guitarra rítmica, Richard Croce a la voz, Chuck Maher al bajo y Ralph Muscatelli a la batería. La sección rítmica es vibrante y potente, combinándose de manera perfecta con los riffs y solos de las guitarras.

El disco se inicia con el hard progresivo de “Paranoia”, tema en el cual se escuchan esas guitarras dobles que caracterizaran a todo el álbum. La voz de Croce es estupenda, así como el trabajo de la sección rítmica. El solo de Wright es espectacularmente acompañado por un riff alucinante de Croce. Para acabar, una orgía de distorsión y ruido. “Sad Born Loser” mantiene el toque progresivo combinado con un blues rock potentísimo y ni que decir de la forma como la canta Croce, para quitarse el sombrero!. Le sigue “What Of I”, un tema con una melodía hermosa y un solo lleno de feeling acompañado siempre por esos riffs hendrixianos. Después tenemos “She’s Easy”, un hard rock con una base rítmica contundente en su primera mitad para luego convertirse en un rock suave y experimental con riffs que te vuelan la cabeza. “Sailing” es el tema más largo del álbum y donde la banda explota su lado más hard prog, sin duda una de los mejores temas del disco. A continuación tenemos a “Provedence Bummer, un blues rock de la vieja escuela, con un buen trabajo de las guitarras. Nos acercamos al final del álbum y vaya que final! El cover “Evil Woman” de los Spooky Tooth es una de las versiones más potentes jamás grabadas, con Croce cantando como un cavernícola. Finalmente tenemos “Hunter’s Moon”, un tema entre prog y el hard rock, con pasajes oscuros que son un deleite para los oídos.

Sin duda un disco OBLIGADO para todos los amantes del Hard Rock Progresivo. Espero lo disfruten.

ALTAMENTE RECOMENDADO!!!

Integrantes:

Reggie Wright - Guitarra Solista
Denis Croce - Guitarra Rítmica
Richard Croce - Voz
Chuck Maher - Bajo
Ralph Muscatelli - Batería

Lista de canciones:

"Paranoia" - 4:34
"Sad Born Loser" - 4:22
"What of I" - 3:55
"She's Easy" - 6:36
"Sailing" - 4:03
"Providence Bummer" - 4:03
"Evil Woman" - 3:10
"Hunter's Moon" - 6:10

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...en reparación...

Jerónimo - Jerónimo (1971)

2009-10-14T19:00:00.010-05:00

Banda alemana de hard rock & blues, formada en el año '69. Muy popular en la mayoría de paises europeos tras su gira junto a Steppenwolf. Compartió escenarios con bandas del calibre de Deep Purple y Golden Earring en el Progressive Pop Festival y otros festivales europeos.

Su segundo LP titulado JERONIMO tiene en su mayoría de temas un estilo hard rock, incluyendo poderosos riffs, bajo contundente y una percusión precisa. Sin duda alguna un disco muy recomendable que espero les guste.

P.D: Espero sus comentarios y sugerencias!

Integrantes:

Michael Koch – Guitarra
Gunnar Schäfer – Bajo
Ringo Fuk – Batería

Lista de Canciones:

Sunday's Child
Shades
Reminiscenses
How I'd Love to Be Home
End of Our Time
Understanding
Silence of the Night
Hugudila
You Know I Do

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Eloy - Inside (1973)

2009-07-24T14:34:00.011-05:00

Segundo álbum de esta gran banda germana que significó un gran cambio frente a su correcto disco debut. Una placa que, a diferencia de su epónimo antecesor, deja un poco de lado el rock and roll y se adentra por los senderos del rock progresivo, con resultados realmente formidables.

Esta vez, Eloy no se conforma con el virtuosismo como forma de expresión. No se satisface con el convencionalismo en su música. Esta necesidad los lleva a experimentar, arriesgar más para ganar. El resultado: un gran disco de rock progresivo, un álbum memorable repleto de canciones cautivantes, cambios de ritmo fantásticos, guitarras endiabladas supurando emoción, órganos creadores de texturas alucinantes y una deliciosa línea de bajo que harán las delicias de los oyentes.

Resulta difícil elegir una canción por sobre las demás, todos los cortes se encuentran magníficamente ensamblados y cada cual posee su belleza propia. En definitiva, un disco bastante balanceado que nos da una probada de lo que Eloy es capaz y que marcaría los derroteros ulteriores de la banda. Y si bien es cierto, las comparaciones con Floyd o Jethro Tull son inevitables, el triunfo de Eloy radica justamente en crear algo nuevo a partir de lo preestablecido.

Discazo para escuchar una y otra vez. Disfrútalo con sus “bonus tracks”. Saludos.

Integrantes:

Frank Bornemann: Guitarra, voz, percusión.
Fritz Randow: Batería, guitarra acústica, percusión, flauta.
Wolfgang Stocker: Bajo.
Manfred Wieczorke: Organo, guitarra, voz, percusión.

Lista de canciones:

"Land of No Body" – 17:14
"Inside" – 6:35
"Future City" – 5:35
"Up and Down" – 8:23
"Daybreak" - 3:39 (Bonus Track)
"On The Road" - 2:30 (Bonus Track)

Link de descarga:
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Al Kooper, Mike Bloomfield & Stephen Stills - Super Session (1968)

2009-07-19T11:30:00.007-05:00

Un disco bautizado por los conocedores como "la obra maestra del blues blanco". Muchos estarán de acuerdo o en contra de la frase, sin embargo nadie puede negar la gran calidad de este álbum.

Grabado en 1968, tiene como protagonistas a tres grandes: Mike Bloomfield (Paul Butterfield Blues Band, Electric Flag), Al Kooper (músico de sesión de Hendrix, Dylan, Rolling Stones...), Stephen Stills (Buffalo Springfield, CSN).

Super Session es una placa llena de grandes temas que giran principalmente alrededor del blues y por momentos se acercan al jazz. Las pistas instrumentales son una delicia para los oídos, en ellas los músicos parecen tocados por alguna fuerza divina. Muestra de ésto es "His Holy Modal Majesty", a mi gusto la mejor canción del álbum. De cerca le siguen "Albert's Shuffle", "Stop" y "Really"; donde la guitarra de Bloomfield suena de manera espectacular y demuestra porque es considerado uno de los mejores guitarristas de la historia.

Sin duda una obra que vale la pena tener en nuestra colección. A descargar y disfrutar!

ALTAMENTE RECOMENDADO

Integrantes:

Mike Bloomfield – Guitarra
Stephen Stills – Guitarra
Al Kooper - Piano, Organo, Voz, Guitarra
Harvey Brookes – Bajo
Eddie Hoh – Batería
Barry Goldberg – Piano

Lista de Canciones:

Albert's Shuffle
Stop
Man's Temptation
His Holy Modal Majesty
Really
It Takes A Lot To Laugh, It Takes A Train To Cry
Season Of The Witch
You don't Love Me
Harvey's Tune
Albert's Shuffle
Season Of The Witch
Blues For Nothing
Fat Grey Cloud

Link de Descarga:
http://lix.in/-81412d

The Groundhogs - Split (1971)

2009-06-01T19:30:00.006-05:00

The Groundhogs se formó a inicios de los 60's, inicialmente se llamaban The Dollarbills pero cambiaron su nombre en homenaje a un tema de su ídolo John Lee Hooker, "Ground Hog Blues". Se iniciaron como una banda de blues clásico, tocando junto a grandes del género como John Lee Hooker, Jimmy Reed, Memphis Slim y Little Walter; sin embargo en los tres años siguientes su sonido evoluciona en un hard blues progresivo sobre todo por los experimentos de McPhee, virtuoso e infravalorado guitarrista.

En esta oportunidad les presento el cuarto album de la banda, grabado en 1971 y titulado "Split". Sin duda un grandioso trabajo que se podría llevar el título de su mejor disco. La primera parte del album consta de un tema titulado Split, dividido en cuatro partes y que según McPhee narra una crisis mental que sufrió tras fumar algunas "semillas".

Las cuatro partes de Split tienen una sección rítmica feroz y que sirve de perfecto acompañamiento a McPhee quien se luce experimentando con el wah-wah, fuzz y delay. A continuacion Cherry Reed, sin duda la canción más conocida de la banda, veloz, contundente, puro hard rock con toques psicodélicos. Con A Year In The Life bajan las revoluciones sin dejar de sorprender con un sonido suave pero lleno de armonías muy agradables. Junkman es mucho mas experimental con pasajes llenos de de ecos y un sonido saturado de guitarra. Finalmente tenemos Ground Hog, un blues magistralmente ejecutado que nos recuerda los origines de la banda. Sin duda estamos frente a un disco donde la banda muestra todo su talento utilizando una gran gama de sonidos y deja su propia firma, su sonido Groundhog, que formó parte de la evolución del blues rock.

ALTAMENTE RECOMENDADO

Integrantes:

Tony McPhee - Voz, Guitarra
Pete Cruickshank - Bajo
Ken Pustelnik - Batería

Lista de canciones:

Split, Pt.1
Split, Pt.2
Split, Pt.3
Split, Pt.4
Cherry Red
A Year In The Life
Junkman
Ground Hog

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...en reparación...

Pink Floyd - Animals (1977)

2009-05-20T18:56:00.016-05:00

Tercer álbum conceptual de los Floyd, inspirado en parte por la obra de George Wells “Rebelión en la granja”, cuyo lanzamiento significó uno de los momentos cumbres de esta genial banda de rock progresivo. Se trata de una placa repleta de riffs espectaculares, solos de guitarra demoledores y liricas contundentes de un Waters en la plenitud de sus talentos, desnudando palabra a palabra el cinismo de una sociedad capitalista que aliena y deshumaniza a las personas, transformándolos en “animales”: cerdos (políticos megalómanos), perros (gente de poder y fuerza de choque bajo el control de los cerdos) u ovejas (el pueblo, serviles y temerosos).

Este trabajo representó un cambio sustancial frente a lo propuesto en discos anteriores, como el Dark Side of the Moon o el Wish you were here, por nombrar un par. El sonido espacial, marca registrada de Pink Floyd, es ahora casi inexistente. No más pasajes instrumentales que evocan la sensación de estar en un viaje interestelar. El nuevo sonido es áspero, duro, más llevado por la guitarra, más “industrial”. Se trataba de evolucionar o morir, el punk arremetía con todo su arsenal y cada vez más personas se desencantaban del prog rock, tal vez por los excesos cometidos por bandas como Yes y su Tales from Topographic Oceans. Pero esa es otra historia.

Lo cierto es que Floyd hizo el cambio, pero respetando siempre su autonomía. En otras palabras NO SE VENDIERON AL MAINSTREAM. En una época donde se trataban de hacer canciones más cortas y digeribles (entiéndase “radio friendly songs”), Pink Floyd saca un álbum compuesto casi exclusivamente por cortes de más de 10 minutos de duración. Aunque no vendieron tanto como con el DSOTM o el WYWH, las apoteósicas giras que siguieron, llenando estadio tras estadio y tocando frente a 100,000 personas que los adoraban como dioses, confirmaron que el fanbase se encontraba intacto y aunque Floyd había cambiado de sonido continuaba en su pico creativo, retando al sistema y a las voces que decían que su momento estelar ya había culminado.

Los mejor del disco es, sin lugar a dudas, “Dogs”. Un tour de force que fácilmente su ubica en el top 3 de las mejores canciones de la banda, y es, muy posiblemente, la mejor composición de Roger Waters hasta la fecha. Como contraparte encontramos a David Gilmour, igualando musicalmente lo que Waters logra líricamente, fabricando tonadas y solos de guitarra que escarapelan la piel y cortan la respiración del oyente. “Dogs” es una de esas canciones que tocan fibras profundas de la psique humana y te marcan con fuerza: una declaración tan sincera como categórica que resulta prácticamente irrebatible. Y ni que decir del estribillo final, todo un triunfo de Waters para implantarnos en la mente la imagen de ese ejecutivo (?) ganador, inteligente y arribista que muere solo, con el teléfono en la mano.

"Who was born in a house full of pain
Who was trained not to spit in the fan
Who was told what to do by the man
Who was broken by trained personnel
Who was fitted with collar and chain
Who was given a pat on the back
Who was breaking away from the pack
Who was only a stranger at home
Who was ground down in the end
Who was found dead on the phone
Who was dragged down by the stone."

Discazo de los Floyd, solo superado por el Wish You Were Here en mi humilde opinión. Una delicia para los amantes del rock con significado y mensaje. ¡Disfrútenlo!

Integrantes:

Roger Waters: Voz, bajo, guitarra acústica, guitarra rítmica, diseño de portada.
David Gilmour: Guitarras, bajo, voz, talk box, sintetizador.
Richard Wright: Órgano Hammond, piano eléctrico Wurlitzer, piano Fender Rhodes, piano Yamaha, sintetizadores, voz.
Nick Mason: Tambores, percusión.

Personal adicional:

Snowy White: Guitarra en “Pigs on the Wing” (solo en version 8-track)

Lista de canciones:

"Pigs on the Wing 1" – 1:24
"Dogs" – 17:06
"Pigs (Three Different Ones)" – 11:28
"Sheep" – 10:21
"Pigs on the Wing 2" – 1:27

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Camel – Rajaz (1999)

2009-04-10T22:29:00.010-05:00

The music of poets once carried caravans across the great deserts. Sung to a simple metre of the animal's footsteps, it transfixed weary travellers on their sole objective...journey's end. This poetry is called 'Rajaz'. It is the rhythm of the camel.

Nos encontramos frente a un discazo de aquellos. Tras una seguidilla de buenos (aunque no sobresalientes) álbumes, Camel regresa con fuerza a la escena progresiva con este trabajo, uno de los mejores –sino el mejor- de su dilatada y exitosa carrera.

Son 58 minutos de gloria que dejaran satisfechos hasta al más exigente proghead, simpatizante o al mero admirador de la música en general. Sin lugar a dudas es el mejor Camel en años, lleno de fuerza, creatividad y ese saborcillo árabe tan exquisito que hipnotiza, envuelve, atrapa y no suelta.

La placa se encuentra repleta de obras maestras, canciones llenas de pasión con un Andy Latimer monumental en la guitarra, demostrando estar a la par de otros dinosaurios de las 6 cuerdas como David Gilmour o Steve Hackett. Es así como debe sonar la música en el paraíso: deliciosa, estilizada, nostálgica, conmovedora, genial.

Lo mejor del disco: la canción homónima “Rajaz”. Una balada llena del feeling más visceral que sólo la voz de un hombre dolido (Latimer) puede aportar. Hermosísima canción que de por si vale la experiencia y la paga con creces. A no perdérsela.

¡Camel está de vuelta y de que manera! Con un álbum redondo e irrepetible, demostrando que el prog rock de antaño aún respira, se mueve y es capaz de emocionarnos hasta las lágrimas en el paroxismo frenético de la experiencia máxima: la música hecha poesía y la poesía hecha música. En una palabra: Rajaz.

Integrantes:

Andrew Latimer: Guitarras, voz, flauta, teclados, percusión.
Colin Bass: Bajo.
Ton Scherpenzeel: Teclados.
Dave Stewart: Batería, percusión.
Barry Phillips: Violonchelo.

Lista de canciones:

Three Wishes - 6:58
Lost And Found - 5:38
The Final Encore - 8:07
Rajaz - 8:15
Shout - 5:15
Straight To My Heart - 6:23
Sahara - 6:44
Lawrence - 10:46

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My Solid Ground - My Solid Ground (1971)

2009-03-25T16:41:00.003-05:00

My Solid Ground fue editado originalmente en 1971 y es considerado por muchos una pieza maestra del género Krautrock. Esta joya permaneció perdida para la gran mayoria de admiradores hasta su reedicion en 1997.

El primer tema, "Dirty Yellow Mist", deja en claro la gran influencia de Pink Floyd sobre la banda. Trece minutos de viaje hipnótico con instantes de poderosas guitarras acompañadas de un excelente trabajo en los teclados. A continuación un cambio de ritmo con "Flash Party IV" y "That's You" le inyectan una dosis adecuada de hardrock al album. "The Executioner" esta lleno de guitarras pesadas, teclados y una voz misteriosa. "Melancholie" es un tema instrumental donde el piano crea una atmósfera prodigiosa acompañandose de las guitarras acusticas. "Handful Of Glass" y "Devonshire Street W1" son dos temas de hardrock con un buen trabajo por parte de Rendel y llenos de varios cambios de ritmo.

Hasta aqui todo bien, pero..... se pone mejor. "X", "Y", "Z" son tres temas instrumentales que van desde un rock con toques jazzisticos hasta un oscuro hard progresivo acompañados sienmpre de la salvaje guitarra de Rendel. Finalmente el tema que le da gloria a este album: "Flash", un tema ALUCINANTE con una duración de más de 24 minutos. Lleno de cambios de ritmo, con una banda que se luce por toda la capacidad para moverse en diferentes aguas sonoras.

ALTAMENTE RECOMENDADO

Integrantes:

Bernhard Rendel - Guitarra y voz.
Karl-Heinrich Dorfler - Bajo y voz.
Andreas Wursching - Batería.
Ingo Werner - Piano, órgano y melotrón.

Lista de Canciones:

Dirty Yellow Mist
Flash Party IV
That's You
The Executioner
Melancholie
Handful Of Grass
Devonshine Street W1
X
Y
Z
Flash

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GENESIS – A TRICK OF THE TAIL (1976)

2009-02-18T23:57:00.019-05:00

Tras sorprender a medio mundo con la intrigante historia de Rael en el genial disco conceptual “The Lamb Lies Down on Broadway”, la banda se vio una vez más de regreso a los estudios para grabar el que sería uno de sus álbumes más celebrados. Y es que muchos no salían de su asombro cuando escucharon el disco por vez primera y comprobaron que la soberbia calidad de la música se mantenía intacta a pesar de los tiempos adversos que vivía este extraordinario grupo de rock progresivo.

Recordemos que para el año 1975 Peter Gabriel decide abandonar la aventura que era GENESIS para embarcarse en proyectos en solitario. Incluso los más optimistas pensaron que era el fin de esta gran banda y vieron en “The Lamb…” como la coronación de una época brillante, deliciosa e irrepetible. Grande fue la sorpresa cuando el grupo anunció que no sólo no habría separación sino que habían iniciado un casting para reemplazar a Gabriel y lanzar un nuevo álbum. La empresa parecía destinada al fracaso, GENESIS había recibido un golpe tremendo con la salida de Gabriel, su visionario y extravagante líder, carismático showman e inspirado liricista. Una banda de menor categoría hubiese sucumbido bajo la presión. Afortunadamente, este no era el caso.

Después de todo, GENESIS no era sinónimo de Gabriel. Aun quedaban Steve Hackett y su talento puro con la guitarra, Tony Banks - acaso el mejor tecladista que haya visto el prog rock -, el eximio percusionista Phil Collins (que se repartió entre sus labores en la batería y su rol como nuevo vocalista) y Mike Rutherford, un músico mucho más genérico que el resto pero sumamente eficiente en su función. Así arranco esta nueva fase… y los resultados no pudieron ser mejores.

¿Lo mejor del disco? Casi todo, por decir menos. “Dance on a Volcano” y su explosiva sección instrumental; la bellísima “Entangled” y su estribillo pastoral que culmina con un melotrón de ensueño, haciéndonos pensar que dicho instrumento fue concebido sólo por y para ese momento; “Squonk”, donde Collins demuestra toda su potencia detrás del micrófono; “Mad Man Moon” que contiene una de las composiciones más sobresalientes del maestro de los teclados, Tony Banks; “Robbery, Assault & Battery” con su bufonesco estilo, en la misma vena de títulos anteriores; “A Trick of the Tail” y el divertido repetitismo que nos lleva al cierre con “Los Endos”, virtuosismo instrumental en su máxima expresión y digno cierre de tan talentosa banda.

Mención aparte merece “Ripples”, épica composición que nos hace olvidar (aunque sea momentáneamente y a riesgo de ser llamado hereje) que Gabriel alguna vez perteneció a la banda. Magistralmente interpretada, alcanza su clímax a la mitad de la canción con un instrumental de locura, puro feeling, pura pasión, puro talento para configurar una de las mejores interacciones entre la guitarra y el sintetizador jamás imaginadas.

Obra maestra que recomiendo sin reparos. Principio del fin para GENESIS, banda que alcanzó niveles de perfección sin paragón en su época. La realeza del rock progresivo.

Integrantes:

Tony Banks: Órgano, sintetizador, piano, guitarra de 12 cuerdas, melotrón, coros.
Phil Collins: Percusión, batería, voz principal, coros.
Steve Hackett: Guitarra eléctrica y acústica, guitarra de 12 cuerdas.
Mike Rutherford: Bajo, pedaleras, guitarra de 12 cuerdas.

Lista de canciones:

"Dance on a Volcano" - 5:54
"Entangled" - 6:27
"Squonk" – 6:27
"Mad Man Moon" – 7:34
"Robbery, Assault and Battery" – 6:16
"Ripples" – 8:04
"Los Endos" – 5:47

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Necronomicon – Tips Zum Selbstmord (1972)

2009-01-15T23:24:00.016-05:00

Tiempos nebulosos los 70’s. Tiempos en los que bandas con talento e ideas frescas presenciaban el abrupto fin de sus carreras debido a la falta de popularidad de sus grabaciones, llegando a lanzar en muchas oportunidades un único (pero genial) LP. Sin un sello discográfico que los apoyase o un fanbase que los reclamase estos extraordinarios grupos desaparecían sin remedio del horizonte musical.

Uno de estos grupos es Necronomicon, banda alemana de Krautrock llamada así en alusión al libro de H.P.Lovecraft. El álbum lleva el sugerente título de “Consejos sobre como suicidarse” en referencia directa a lo que el ser humano le hace al planeta Tierra al explotar sus recursos y contaminarlo. Musicalmente, el disco es una mezcla de psicodelia, hard rock y, por supuesto, “Kosmische musik” en su estado más puro. Excelente grabación con grandes secciones instrumentales, extensos solos de guitarra (que lograrán poner la piel de gallina a más de uno), buen soporte de los teclados y un eficiente trabajo vocal que convierten a esta placa en una joya perdida, una demostración más que muchas veces el talento se presenta reñida con la fama, idea nunca tan patente como hoy en día: la era de los “one-hit wonders” y grupos prefabricados por sesudos directivos musicales.

El disco cierra con 4 canciones extras, un regalo para los fans en la edición remasterizada. Generalmente los “bonus track” vienen a ser los cortes más flojos de cualquier álbum, canciones que no fueron lo suficientemente “buenas” como para ser consideradas en el trabajo original. Caso curioso, en esta oportunidad el material extra se roba por completo el espectáculo. Y a pesar de su pobre producción son tracks altamente disfrutables, un aliciente más para darle una oportunidad a este álbum.

En suma, gran disco de una difunta gran banda. Pruébenlo, no se arrepentirán ni un ápice.

Integrantes:

Walter Sturm: Guitarra, voz.
Norbert Breuer: Guitarra, voz.
Harald Bernhard: Bateria.
Bernhard Hocks: Bajo, voz.
Fistus Dickmann: Organo, sintetizadores, voz.

Lista de canciones:

“Prolog” – 7:32
“Requiem Der Natur” – 10:49
“Tips Zum Selbstmord” – 4:46
“Die Stadt” – 7:18
“In Memoriam” – 6:57
“Requiem Vom Ende” - 7.46
“Dem Frieden Und Den Menschen” - 10:18 (Bonus track)
“Wenn Die Haifische Menschen Wären” - 7:41 (Bonus track)
“Haifische. Gedanken” - 7:32 (Bonus track)
“Wiegenlied” - 8:32 (Bonus track)

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Goldenrod - Goldenrod (1969)

2009-01-12T19:00:00.004-05:00

Pieza maestra del West-Coast Rock grabada en Hollywood en el año 1969.

El albúm contiene cuatro pistas con un sonido mágico lleno de extensos pasajes de improvisación. Abre el album Descent Of Cyclopeans, un tema con un riff que te atrapa desde el inicio y con una línea de bajo contundente que seguramente impresionará a muchos que disfrutan de tocar dicho instrumento. Karmic Dream Sequence es un tema para dejarte llevar, la atmósfera que Benay, Scheff y French logran crear es impresionante, este tema simplemente te transporta. En The Gator Society le toca lucirse al Sr. Benay quien arremete con un solo de guitarra demasiado "galáctico" acompañado de una excelente sección rítmica, es especial el bajo. Finalmente llegamos a Standing Ovulation, el tema más "pesado" del album con una batería furiosa.

Sin duda alguna este disco llenará sus espectativas, a disfrutar se ha dicho!

ALTAMENTE RECOMENDADO

Integrantes:

Ben Benay - Guitarra
Jerry Scheff - Bajo
Toxey French - Batería

Lista de Canciones:

Descent Of Cyclopeans
Karmic Dream Sequence
The Gator Society
Standing Ovulation

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NEKTAR - JOURNEY TO THE CENTRE OF THE EYE (1971)

2009-01-09T15:57:00.011-05:00

Prelude Una introducción Astronaut’s Nightmare Un cohete zarpa con destino a Saturno, en un tiempo donde la tierra está al borde de una guerra nuclear. Countenance El cohete es interceptado por un Platillo de origen desconocido. El astronauta lo aborda, se entera que el Platillo ha estado observando a la tierra por muchos años y se encuentra sorprendido por nuestro comportamiento belicoso. Los extraños le ofrecen al astronauta mostrarle la vida en su Galaxia. El astronauta accede y se marchan juntos. The Nine Lifeless Daugther’s of the Sun La nave interestelar se aleja del sol y de nuestro sistema solar hacia el vacio y se de-materializa hacia el hiperespacio. Warp Oversight En un estado donde no existe el tiempo ni el espacio, la nave es sometida a un extraño viaje y de pronto se re-materializa en otra Galaxia. The Dream Nebula La nueva Galaxia es muy serena y hermosa. La atmosfera crea sueños increíbles en su mente y le otorga gran conocimiento. It’s All in the Mind La nueva introspección se expande más de lo que el astronauta puede tolerar y lo quiebra mentalmente, deseando no ver más.

Burn Out My Eyes Su deseo es concedido, él ve sólo con su mente, luchando con sus sentidos, tratando de volver ganar control sobre si mismo. Void of Vision Ahora, viajando a gran velocidad cuesta abajo de un largo y hermoso valle, el astronauta se da cuenta que hay más en la vida de lo que se imaginó. De pronto, ve un gran OJO suspendido en el espacio – ¡“EL OJO QUE TODO LO VE”! Pupil of the Eye Entra en el ojo para intentar comprender al universo dentro de si mismo. Repentinamente él se vuelve el ojo y observa en un solo momento todo lo que existe. Es tan maravilloso y a la vez tan horrible, siente miedo. El astronauta se da cuenta que todo lo que ha observado existe en la tierra, a pesar que nunca lo había notado a causa de todas las guerras. Look Inside Yourself Su mente grita, para cualquier persona dispuesta a escuchar, que deben preocuparse por ellos mismos y tratar de entender que la tierra se acerca cada vez más a su total destrucción. Death of the Mind Como si de una advertencia se tratara su mente regresa al momento que partió y visualiza la destrucción del planeta tierra.

Soberbio álbum debut de esta largamente infra estimada banda. Se trata de un gran disco de rock que nos muestra al grupo en la plenitud de sus talentos, desarrollando una temática por demás espeluznante a lo largo de 42 minutos magistralmente ejecutados.

Líneas aparte merecen un inspiradísimo Roye Albrighton y su espectacular guitarra, que se convierten en el hilo conductor que guió a la banda al estatus de leyenda que disfruta entre sus escasos pero leales seguidores.

Que extraordinaria banda es Nektar… La historia se encargará de otorgarle el sitial que le corresponde a un grupo de rock de su estirpe.

Integrantes:

Roye Albrighton - Guitarra, voz principal
Allan Freeman - Teclados, voz, mellotrón
Ron Howden - Percusión, voz
Derek Moore - bajo, voz
Mick Brockett – Luces líquidas
Keith Walters – Slides estáticas

Lista de canciones:

"Prelude" - 1:27
"Astronaut's Nightmare" - 6:22
"Countenance" - 3:30
"The Nine Lifeless Daughters of the Sun" - 2:41
"Warp Oversight" - 4:28
"The Dream Nebula I" - 2:14
"The Dream Nebula II" - 2:25
"It's All in the Mind" - 3:22
"Burn Out My Eyes" - 7:48
"Void of Vision" - 2:01
"Pupil of the Eye" - 2:46
"Look Inside Yourself" - 0:53
"Death of the Mind" - 2:52

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LA BESTIA EN VIVO!

2008-12-18T18:43:00.002-05:00

Iron Maiden en Lima señoras y señores

2008-12-18T18:08:00.003-05:00

Noche del viernes 12 de diciembre del 2008, mi pata de la universidad me llama y me dice “2 minutes to Midnight” empieza la venta de entradas para el concierto. Hay un 25 % de descuento para la venta vía internet toda la madrugada y hasta las 9:59 am del sábado 13. Me dije en ese momento, no tengo saldo en la tarjeta y mañana en la mañana sustento para mi título… O ya fue el descuento para mí… o ”se acaban las entradas y ni siquiera voy”. Tortuosa sería esta última frase que me vendría a repetir a mi mismo una y otra vez cuando veía frustrados mis planes para comprar una “The trooper”.

Ya está, sustenté el sábado, positivo… ya tengo el título; di examen en mi otra alma mater y también positivo, pero sentía que algo faltaba en mi vida. Hice todo lo posible para conseguir 309 soles para poder comprar una The trooper ese domingo pero no se pudo. Que tan difícil era conseguir ese dinero por ver a Maiden tocar en Lima? No debí haber gastado en “otras cosas”, debieron haber anunciado antes la venida oficial de La Bestia!!! Por qué a mi!!!

Pasé el lunes con trámites y papeleos de la universidad, y así hasta el miércoles. Llamada a un amigo, mensaje al otro, ya no hay entradas a The Trooper, 5 zonas agotadas en 3 días de pre-venta. Ya me ase! Me voy a Flight of Icarus. Jueves 18 de diciembre, una de las últimas 30 plazas de la zona. Dame una, pero ya!!!!

Lamentablemente no saltaré con mi gente, pero mi corazón latirá al unísono con todo el Estadio Nacional, latirá a ritmo de la Doncella de Hierro, a ritmo de La Bestia, pero lo mejor de todo es que latirá con mi raza peruana, con mis Blood Brothers.

Iron Maiden en Lima señoras y señores.

Up the Irons!

PINK FLOYD - WISH YOU WERE HERE (REPOST) (1975)

2008-12-12T14:56:00.012-05:00

El “Wish you were here” de Pink Floyd es uno de los pocos álbumes que no puede faltar de ninguna manera en un sitio como este, consagrado a la buena música. Es por ello que decidí dedicarle (por segunda vez) el espacio que le corresponde a esta obra maestra.

Para ello me he tomado la libertad de tomar una reseña del sitio web www.alohacriticon.com, crítica que me parece excelente y expresa casi todo mi sentir acerca de este discazo, a mi entender el mejor de los Floyd.

Sin más, les dejo con este estupendo comentario:

“Tras el multimillonario ‘Dark Side of The Moon’, Pink Floyd retrotrae la mirada a su primer líder, Syd Barret, y le dedican desde su privilegiado estatus estelar este nuevo trabajo, un gran disco de rock progresivo de extensos y hechizantes temas rock con ligero soporte blues y opulentas texturas sónicas, expandidas con lacrimosas guitarras, etéreos teclados, flemáticos ritmos, atmosféricos sintetizadores y emotivas letras traspasadas con emocional vocalidad.

El tributo a su antiguo compañero con las magistrales y cautivadores suites halladas en las dos partes de ‘Shine on you crazy diamond’ y la hermosa melodía acústica de ‘Wish you were here’ junto a la visión ácida de la industria discográfica encontrada en las dos canciones de mejor impacto del Lp, como son la afligida ‘Welcome to the machine’ (recargada con sintetizadores y efectos para identificar la maquinaria criticada, el tema brilla por la pesarosa forma de interpretar el texto) o la sarcástica y bluesy ‘Have a cigar’, la pieza mas floja del disco (sic)* que esta cantada por Roy Harper, son las materias desarrolladas por la banda británica, que consolidaron con este álbum su patronazgo del rock sinfónico.”

Tomado de alohacriticon.com

* No considero de ninguna manera que "Have a cigar" sea el corte más flojo del disco, es más, la parte lírica es contundente y el solo de guitarra final, extraordinario.

Clasificación personal del álbum: Disco perfecto.

Integrantes:

Roger Waters: voz, bajo, guitarra, sintetizador.
David Gilmour: voz, guitarra, bajo adicional.
Nick Mason: batería.
Richard Wright: teclados, sintetizador, voz

Lista de canciones:

"Shine On You Crazy Diamond (Parts I - V)" 13:30
"Welcome to the Machine" 7:27
"Have a Cigar" 5:08
"Wish You Were Here" 5:40
"Shine On You Crazy Diamond (Parts VI - IX)" 12:22

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JOSÉ CID – 10 000 ANOS DEPOIS ENTRE VENUS E MARTE (1978)

2008-12-09T16:42:00.003-05:00

Si hay un instrumento setentero por excelencia ese tiene que ser el mellotrón, sin duda alguna. Hoy en día parecería un anacronismo utilizar tan venerado instrumento y hasta podríamos olvidarnos de los extraordinarios sonidos y texturas que adornaron algunas de las mejores obras del prog rock de todos los tiempos. Felizmente existen discos como “10 000 Anos Depois Entre Venus E Marte” que nos permiten recordar la belleza y grandeza de este noble instrumento musical.

Lo que ocurre en este álbum sólo puede ser descrito como una unión forjada en el cielo: rock sinfónico y espacial se unen para teletransportarnos a un mundo post-apocalíptico donde la raza humana se ve forzada a emigrar hacia otros planetas en busca de su salvación, emprendiendo de esta manera un viaje al espacio sideral. Un banquete para los amantes de ese sonido tan vintage que sólo pueden ofrecernos los sintetizadores analógicos, todo esto acompañado de una guitarra en plena forma y, por supuesto, de la cálida voz de José Cid.

Todo un hito del rock progresivo portugués y una de las mejores obras del género. No hay pierde con este discazo.

Integrantes:

José Cid: Pianos, sintetizadores, mellotrón, vocales.
Josi Carrapa: Guitarra.
Ramon Gallarza: Percusión.
Zé Nabo: Bajo, guitarras.
Guilherme Scarpa Inãs: Percusión.
Mike Sergeant: Guitarra.

Lista de Canciones:

O Último Dia na Terra - 4:21
O Caos - 6:00
Fuga para o Espaço - 8:10
Mellotron, o Planeta Fantástico - 6:43
10000 Anos Depois Entre Vénus e Marte - 6:05
A Partir do Zero - 4:43
Memos - 2:07
Vida (Sons Do Quotidiano) - 12:41

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STACK WADDY - STACK WADDY (1971)

2008-11-20T18:00:00.002-05:00

¿Que esperarías de una banda cuyos integrantes sólo tocaban cuando no tenían para comer y/o beber? La respuesta: una dosis intravenosa de Rock And Roll. Una dosis llamada Stack Waddy que se formó en Manchester a fines del '65.

En su primer disco nos traen diez pistas blues rock de primera calidad donde la voz de John Knail te atrapa desde el inicio por su manera "peculiar" de cantar, parece que el hombre hubiera bebido un par de botellas de vodka antes de grabar. Sin duda un trabajo excelente en el que la banda demuestra todo su potencial. Un disco para disfrutar de inicio a fin.

El disco abre con Roadrunner, tema en el que Knail canta totalmente descontrolado; le sigue Bring It To Jerome, una joyita super, super, super ácida; Mothballs contiene un delicioso solo de harmonica; en Sure Nuff 'N' Yes I Do, Country Line Special y Mistic Eyes la banda ofrece un poco de boogie boggie; Love Story y SuZie Q son dos excelentes covers de Jethro Tull y Dale Hawkins, respectivamente. El disco dice adiós con dos temazas, el mítico tema del Sr. Muddy Waters... Rolling Stone; y un exquisito rock and roll titulado Kentucky.

A disfrutar hardrockeros... !!!

ALTAMENTE RECOMENDADO

Integrantes:

Mick Stott
Stuart Banham
John Knail
Steve Revell

Lista de Canciones:

Roadrunner
Bring It To Jerome
Mothballs
Sure Nuff 'N' Yes I Do
Love Story
Susie Q
Country Line Special
Rolling Stone
Mystic Eyes
Kentucky

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THE ALAN PARSONS PROJECT – I ROBOT (1977)

2008-11-20T14:28:00.013-05:00

"I ROBOT... THE STORY OF THE RISE OF THE MACHINE AND THE DECLINE OF MAN, WHICH PARADOXICALLY COINCIDED WITH HIS DISCOVERY OF THE WHEEL... AND A WARNING THAT HIS BRIEF DOMINANCE OF THIS PLANET WILL PROBABLY END, BECAUSE MAN TRIED TO CREATE ROBOT IN HIS OWN IMAGE."

Álbum conceptual de este excelente grupo inglés, el segundo de su carrera y uno de los más aclamados tanto por los fanáticos como por la crítica especializada. Este disco, inspirado en los relatos del escritor de ciencia ficción Issac Asimov “Yo, Robot” se presenta ante nosotros de manera impecable, con una temática muy bien lograda, excelentes arreglos musicales y una producción de altísimo nivel, lo que cabría de esperarse de un ingeniero de sonido tan talentoso como lo es el buen Alan Parsons.

El disco desarrolla asuntos existenciales tan profundos como el derecho a vivir, sentir y pensar; así como la libertad como prerrogativa inherente que posee (o debería poseer) todo ser consciente de su propia existencia. Los resultados son extraordinarios, son pocas las veces en las que un disco logra lo que “I Robot” consiguió: La mezcla perfecta entre música de estupenda calidad y líricas con contenido. Mejor, imposible.

Desde el genial instrumental de apertura, pasando por la ardorosa recriminación de los robots a la humanidad (“No quisiera ser como tú”), el justo reclamo de los autómatas por su libertad y el caótico desenlace posterior, para finalizar con una nueva creación donde no hay cabida para los humanos (El primer capítulo del libro del Génesis tiene sólo 31 versículos) nos encontramos ante una obra maestra del género… y un recordatorio de que nuestra acciones y actitudes como especie tienen consecuencias.

Magnífica placa, para ser escuchada una y otra vez hasta el hartazgo (si aquello es posible).

Integrantes:

David Paton: Bajo, guitarras acústicas
Stuart Tosh: Percusión
Ian Bairnson: Guitarras eléctricas y acústicas.
Eric Woolfson, Alan Parsons, Duncan Mackay: Teclados.
B.J. Cole: Guitarras.
John Leach: Címbalo con mazos y kantele.
Lenny Zakatek, Allan Clarke, Steve Harley, Jack Harris, Peter Straker, Jaki Whitren y Dave Townsend: Voces.
Producido y supervisado por Alan Parsons.

Lista de canciones:

"I Robot" – 6:02
"I Wouldn't Want To Be Like You" – 3:22
"Some Other Time" – 4:06
"Breakdown" – 3:50
"Don't Let It Show" - 4:24
"The Voice" - 5:24
"Nucleus" - 3:31
"Day After Day (The Show Must Go On)" - 3:49
"Total Eclipse" - 3:09
"Genesis Ch.1 v.32" - 3:28

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NEKTAR – A TAB IN THE OCEAN (1972)

2008-11-19T23:36:00.010-05:00

NEKTAR es una banda de rock progresivo compuesta por 4 amigos ingleses que, por cosas del destino, se conocen en Alemania allá por el año 1969 y deciden juntarse a crear música. Lo que este cuarteto inglés probablemente jamás imaginó es que la historia les depararía un lugar en el parnaso del rock progresivo.

Debido a que desarrollaron su carrera en Alemania se podría deducir ‘a priori’ que se trata de un grupo de Krautrock, idea no del todo jalada de los pelos puesto que Germania es la cuna de este estilo musical.

Pero, esto no es del todo cierto. Es innegable que la música de NEKTAR tiene ciertos aspectos de esta corriente, sin embargo, lo que predomina en sus trabajos (al menos en sus primeros discos) es ese sonido espacial que hace recordar en ocasiones a PINK FLOYD. Si, NEKTAR toca ‘space rock’. Y del bueno.

Lo que les presento a continuación es considerada por muchos la obra maestra de esta genial banda. El disco es excelente: atmósferas siderales magistralmente ensambladas mediante el estupendo uso de la guitarra y el teclado, todo ello complementado con un extraordinario trabajo vocal que hacen de esta placa un testimonio musical delicioso, de escucha obligatoria y repetida para todo aquel ‘proghead’ que se precie de serlo.

Mención aparte merece su espléndida portada. Soy un fiel creyente que un buen disco de rock progresivo va mucho más allá de la calidad de la música: un álbum de ‘prog rock’ debe ser un trabajo integral, donde la estética tiene que ser vigilada cuidadosamente a todo nivel. Debo decir que, en este caso, el disco superó todas mis expectativas.

¡A disfrutar!

Integrantes:

Roye Albrighton - Guitarra, voz principal
Allan Freeman - Teclados, voz, mellotrón
Ron Howden - Percusión, voz
Derek Moore - bajo, voz

Lista de canciones:

“A Tab In The Ocean” - 16:52
“Desolation Valley/Waves” - 8:12
“Crying In The Dark” - 6:28
“King Of Twilight” - 4:22

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PAPPO'S BLUES - VOLUMEN 3 (1973)

2008-11-16T12:20:00.013-05:00

Recuerdo que Pappo's Blues Volumen 3 fue el primer disco que escuche de la banda liderada por el Carpo, sobrenombre con el que tambien se conocía al buen Norberto Napolitano. Fue un disco que me llevo a conocer la gran obra de uno de los mejores guitarristas que ha visto nacer latinoamérica. Un grande de las seis cuerdas que llego a tocar con artistas de la talla de John Bonham (Led Zeppelin), Lemmy Kilmister (Motorhead), Edgar Winter y con el mísmisimo B.B. King.

Volumen 3 está lleno de pasión, fuerza y sentimiento. Con sus puntos más altos en: Stratocaster Boogie, tema muy veloz de menos de dos minutos que te deja pensando en todo lo que está por venir; Sucio y Desprolijo, tema en el que Pappo inmortaliza la frase "no cambia nada estar un poco sucio, si mi cabeza es eficaz", defendiendo un estilo de vida; y finalmente un blues delicioso titulado Siempre es lo mismo Nena, dedicado a todas aquellos padres y madres de las "nenas".

Un disco con mucho, pero mucho, poder rockandrollero! Que lo disfruten! Pappo sigue vivo!

ALTAMENTE RECOMENDADO

Integrantes:

Norberto "Pappo" Napolitano - Guitarra, Voz
Machi - Bajo y Voz
Pomo - Batería

Lista de Canciones:

Stratocaster Boogie
Pájaro Metálico
Sucio y Desprolijo
El Sur de La Ciudad
Sandwiches de Miga
El Brujo y El Tiempo
Trabajando en el Ferrocarril
Caras en El Parque
Siempre es Lo mismo Nena

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BUFFALO - VOLCANIC ROCK (1973)

2008-11-16T01:00:00.004-05:00

Buffalo fue una banda australiana formada a inicios de los 70's. Su segundo disco, uno de los mejores, fue grabado en el año 1973. Sin duda un gran disco del género hardrock y una de las primeras muestras del stoner rock australiano.

El album contiene seis canciones que derrochan fiereza guitarrera acompañada de una contundente base ritmica. Un disco parejo, demoledor de inicio a fin, adornado con una atmósfera psicodelica y una voz aguardientosa cortesía de Dave Tice.

Sin duda un trabajo que garantiza satisfacción. Saludos a todos y a disfrutar se ha dicho!

ALTAMENTE RECOMENDADO

Integrantes:

Dave Tice - Voz
Peter Wells - Bajo
John Baxter - Guitarra
Jimmy Economou - Batería

Lista de Canciones:

Sunshine (Come My Way)
Freedom
Till My Death
The Prophet
Pound Of Flesh
Shylock

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YMA SUMAC – MAMBO! (1954)

2008-11-11T22:44:00.012-05:00

Extraordinaria grabación de la legendaria (y recientemente fallecida) “Princesa Inca” Zoila Augusta Emperatriz Chávarri del Castillo, conocida mundialmente como YMA SUMAC.

Poseedora de un talento innato para el canto (con un impresionante rango vocal de 5 octavas), una increíble belleza exótica -para los estándares americanos y europeos- y un pasado empapado en la mística Inca (afirmaba ser descendiente directa del Inca Atahualpa), esta genial cantante peruana paseó su privilegiada voz por los mejores escenarios del mundo, arrancando aplausos y despertando admiración donde quiera que se presentara.

Este es un pequeño homenaje a una peruana de corazón que supo mostrar al mundo las maravillas de su tierra, amén de una irrepetible cantante cuyo impresionante talento embrujó y seguirá embrujando a millones de personas alrededor del orbe.

Citando textualmente al diario El Comercio:

“Toda la grandeza de su arte y su gloria quedan evidenciados en un hecho que sonará increíble para muchos: Cuando se presentó en el Teatro el Mikado en Japón, fueron teloneros de su espectáculo Frank Sinatra, Marlene Detrich y el Ballet Lido de París. Creo que no es necesario decir nada más.”

A disfrutar de esta joya!

Lista de Canciones:

Bo Mambo
Taki Rari
Gopher Mambo
Chicken Talk
Goomba Boomba
Malambo No. 1
Five Bottles Of Mambo
Indian Carnival
Cha Cha Gitano
Jungla
Carnavalito Boliviano

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ÄNGLAGÅRD - HYBRIS (1992)

2008-10-21T12:16:00.006-05:00

Änglagård nació bajo una premisa clara: Revalorizar el extraordinario legado de bandas progresivas tan legendarias como Genesis, Pink Floyd, Yes y King Crimson, entre otras. Y es que esta banda sueca, decepcionada tal vez del rumbo que había tomado el prog rock a inicios de los 90’s, decidió tomar el toro por las astas y callar de una buena vez a aquellos que proclamaban a viva voz la defunción de esta genial corriente. De más está decir que cumplieron su cometido… y con creces.

Y si bien es cierto que para este fin tomaron lo más puro de los mega-grupos arriba mencionados, de alguna manera lograron imprimirle una buena dosis de originalidad a su música, reinventando de esta manera su sonido hasta convertirlo en parte de su identidad: un sonido único, inédito y, por que no decirlo, exquisito. Así, veía la luz una nueva obra maestra del progresivo. ¿Su nombre?: “Hybris”

Este álbum es el ejemplo perfecto de que la música, si es buena, traspasa cualquier frontera y desestima cualquier impedimento. Las pocas líricas del disco están en sueco (idioma tan incomprensible para mí como el mandarín) lo cuál no representa tara alguna a la hora de aproximarse a semejante “masterpiece”. Solo déjense atrapar por las larguísimas secciones instrumentales, dechado de virtuosismo y talento en su estado más perfecto, y creadoras de atmósferas terroríficas en verdad que, sin embargo, los dejará anhelando por más. Todo el disco trasuda esa nebulosa aura oscura que encuentro particularmente sublime, porque la belleza se encuentra aún en lo sombrío y tenebroso.

“Hybris” posee ese efecto: el de transmitir emociones viscerales. Denle una oportunidad y escúchenlo, les aseguro que los transportará a territorios melódicos tan increibles como insospechados.

Después de esto sólo me queda decir: Up the Prog!!

Integrantes:

Thomas Johnson: Mellotrón, órgano Hammond B-3 y L-100, Clavinet, Pianet, Piano y órgano de iglesia.
Jonas Engdegård: Stratocaster, Gibson 335, Nylon y guitarras acústicas.
Tord Lindman: Vocales, Gibson 335, Nylon y guitarras acústicas.
Johan Högberg: Bajo Rickenbacker, pedal para bajo y Mellotrón.
Anna Holmgren: Flauta
Mattias Olsson: Percusión.

Lista de canciones:

"Jordrök" – 11:10
"Vandringar i vilsenhet" – 11:56
"Ifrån klarhet till klarhet" – 8:08
"Kung Bore" – 13:04
"Gånglåt från Knapptibble" (bonus track) – 7:19

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THE STOOGES - FUN HOUSE (1970)

2008-10-19T00:10:00.003-05:00

"Estoy umbilicalmente conectado con el Rock & Roll. Cuando comienzo a actuar me siento como un lobo que prueba la sangre"
Iggy Pop

Corría el año 69, los MC5 decían: "Si te gustamos no puedes dejar de ver a nuestros pequeños hermanos: The Stooges". Así se dio inicio a la leyenda de una banda que hizo suyo el lema de sexo, drogas y rock and roll.

Su primer álbum nos trajo "I Wanna Be Your Dog" un temaza y un nuevo estilo, una bestia que tomaba forma. Con estos "antecedentes" se embarcaron en Fun House, discazo que vio la luz en 1970 y que contiene atmósferas psicodélicas combinadas con un sonido "sucio y delicioso".

Abre el álbum la demoledora Down On The Street, sin lugar a duda un tremendo viaje... perfecto para desahogarse cosas arrojándolas contra la pared... (disculpen el entusiasmo). Loose lleva la firma de Iggy, quien se luce cantándola desenfrenadamente y ni vuelta que darle al riff de Ron. A continuación el tema más brutal del disco: T.V. Eye, dale todo el volumen q puedas soportar. Dirt baja un poco las revoluciones pero no deja de atraparte con la excelente sección instrumental que tiene. 1970: Un sonido simple y contundente de la batería, una guitarra insana y un saxo psicodelico. En este punto la banda se vuelve totalmente "loca"y nos regalan Fun House, siete minutos experimentales. Finalmente: L.A. Blues, que de blues no tiene nada pero de insano lo tiene todo, escúchenlo con calma y déjense atrapar por toda esa mixtura de sonidos que tiene la canción.

ALTAMENTE RECOMENDADO

Integrantes:

Iggy Pop - Voz
Dave Alexander - Bajo
Ron Asheton - Guitarra
Scott Asheton - Batería

Lista de canciones:

Down On The Street
Loose
T.V. Eye
Dirt
1970
Fun House
L.A. Blues

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THUNDER AND ROSES - KING OF THE BLACK SUNRISE (1969)

2008-10-17T10:06:00.005-05:00

Power trio de Filadelfia. Experimentaron con la psicodelia llevándola a zonas muy pesadas al estilo Bluee Cheer. Sin duda un gran disco para todos los fanáticos del hard rock setentero!

Abre el disco White Lance and Strange, clara influencia de Cream... pero poniéndole su propia firma, si no lo creen escuchen el solo de guitarra: Alucinante! I Love a Woman, influenciado por el sonido hendrixiano, un tema melancólico... déjate llevar. Una risa muy peculiar abre el tema Country Life y tal como su nombre indica es una canción country con un ritmo muy pegadizo. Red House es el tema número cuatro, cover del maestro Jimi... un merecido y muy buen tributo.

La segunda mitad del disco inicia con Moon Child, un tema que lleva de fondo una guitarra totalmente enloquecida. Dear Dream Maker es sin duda uno de los mejores temas del álbum guitarra, batería y bajo en perfecta armonía y ni que decir de la voz. King Of The Black Sunrise es un tema instrumental de las grandes ligas. La banda se despide con Open Up Your Eyes... y vaya manera de decir adiós con este temaza donde se hace uso y abuso de aquel efecto divino llamado wah-wah.

ALTAMENTE RECOMENDADO

Lista de Canciones:

White Lace And Strange
I Love A Woman
Country Life
Red House
Moon Child
Dear Dream Maker
King Of The Black Sunrise
Open Up Your Eyes

Integrantes:

Chris Bond - Guitarra, Voz
George Emme - Batería
Tom Schaefer - Bajo, Voz

Link de descarga:

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Genesis - Selling England by the pound (1973)

2008-10-10T15:45:00.020-05:00

“Can you tell me where my country lies?”

Después de un prolongado hiato debido a las obligaciones del mundo real (léase Universidad) vuelvo con un discazo de GENESIS bajo el brazo, álbum que significó la consagración definitiva de esta mega banda progresiva y que terminó por cimentar su estupenda reputación, la cuál le acompaña hasta nuestro días.

Y es que hablar de GENESIS es hablar de uno de los mejores grupos de rock progresivo de la historia. Extraordinarios para trabajar tanto la parte lírica como la musical de sus canciones, forjaron su propia leyenda a pulso, bien con sus increíbles testimonios musicales o bien con su explosivo desempeño en vivo, donde un disfrazado Peter Gabriel hacía las delicias del público con sus interpretaciones, brindando de esta manera un espectáculo audiovisual inigualable.

Pasamos al álbum, amigos:

Abre el disco “Dancing With The Moonlit Knight” y desde el arranque GENESIS nos ofrece lo mejor de lo mejor. El intro es extraordinario: Gabriel cantando a capella mientras los instrumentos se unen, uno a uno, lentamente. ¡Dios, vaya feeling para interpretar! No será el mejor vocalista del mundo pero le imprime ALMA, y eso basta para regalarle los más encendidos elogios desde esta humilde tribuna. El resto de la canción fluye entre notas de flauta, acordes medievales y la maravillosa guitarra de Steve Hackett. De lo mejor del álbum.

Le sigue “I Know What I Like (In Your Wardrobe)” una buena canción corta con liricas misteriosas que encaja a la perfección en el disco. Se trató del primer single de la banda en ingresar a los charts, hecho significativo si tenemos en cuenta que el prog rock nunca se caracterizó por ser especialmente popular.

Ahora si señores, prepárense porque lo que viene es oro puro. Si el inicio fue extraordinario lo que están a punto de experimentar es de otro mundo.

“Firth of Fifth”… ¿que se puede decir de este track que no se haya dicho ya? En dos palabras: SIMPLEMENTE EXTRAORDINARIA. Demoledora desde todo punto de vista, alcanza el clímax en su parte instrumental con 3 solos seguidos: de flauta (Gabriel), teclado (Banks) y guitarra (Hackett, ¡que guitarra! Nos lleva al infinito con ese onírico sonido que logra, siempre logra ponerme la piel de gallina).

Mientras nos recuperamos de tamaño viaje llega “More Fool Me”, una balada con guitarra acústica, nada especial a no ser por el hecho de que es Collins el que la canta. Buen filler de la placa.

Continúa “The Battle of Epping Forest” una de las mejores canciones del álbum (lo cuál es decir mucho pues este se encuentra repleto de obras maestras como podrán ver). Narra la batalla entre 2 bandas rivales por los límites de sus territorios. Irónicamente todos mueren al final. Excelente perfomance de toda la banda en su conjunto, entregándonos uno de los momentos más hermosos del rock sinfónico progresivo.

Así llegamos a “After the Ordeal” un instrumental bastante bueno y aunque de corta duración le sirve a Steve Hackett para demostrar ese enorme talento que posee con la guitarra. Es emocionante escuchar música de tan buena calidad.

Y así arribamos a los 2 últimos tracks: “The Cinema Show” nos cuenta la historia de unos Romeo y Julieta modernos y su cita para ver una película. Pero Romeo se trae un plan entre manos: quiere llevar a Julieta a la cama. Alrededor del minuto 6 somos testigos de otra genialidad más: el solo de teclado de TONY BANKS. Dura 5 minutos pero uno quisiera que fuese para toda la vida. Hacia el final de la canción el teclado se desvanece poco a poco mientras escuchamos la guitarra medieval nuevamente. Que increíble transición la que logran Gabriel y compañía.

De esta manera ya estamos escuchando “Aisle of Plenty” que básicamente un reprise del primer track. De nuevo, Gabriel nos sorprende con su hermosa interpretación. ¡Vaya cierre de este álbum! La canción nos lleva de regreso al punto de partida, al llanto nostálgico por una país que ya nunca volverá a ser el mismo, que vendió sus valores y virtudes a cambio de una mejor “mercancía”, a los ciudadanos de la gloria y esperanza que ya no lo son más, aquellos que dejaron morir al viejo padre Támesis, alguna vez símbolo del orgullo inglés. Esos mismos que venden por libra la tierra que lo vio nacer mientras mastican entre sus sueños de comida rápida … esos que digieren Inglaterra al peso.

Maravilloso álbum, como verán es uno de mis favoritos de todos los tiempos. Mucho se discute si es el mejor de GENESIS, y hay días (como hoy) en que me parece que sí, lo es.

"It's scrambled eggs"

¡Disfrútenlo!

Integrantes:

Peter Gabriel - Voz principal, flauta, oboe, tamborín, pandereta.
Tony Banks - Órgano, metrollón, piano, piano eléctrico, guitarra acústica de 12 cuerdas, coros.
Steve Hackett - Guitarra eléctrica, guitarra acústica de 12 cuerdas y 6 cuerdas solista.
Phil Collins - Batería, percusión y voz principal en "Morel Fool Me".
Mike Rutherford - Bajo, pedaleras, guitarra acústica de 12 cuerdas, cello, coros.

Lista de Canciones:

"Dancing With the Moonlit Knight" – 8:04"
"I Know What I Like (In Your Wardrobe)" – 4:07
"Firth of Fifth" – 9:35
"More Fool Me" – 3:10
"The Battle of Epping Forest" – 11:49
"After the Ordeal" - 4:13
"The Cinema Show" – 11:06
"Aisle of Plenty" – 1:32

Link de descarga:

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"Dancing With The Moonlit Knight"

HUMBLE PIE - ROCKIN' THE FILLMORE (1971)

2008-09-27T10:11:00.013-05:00

Luego de casi dos semanas de "vacaciones" regresamos con un disco que no puede faltar en tu colección: Humble Pie performance: Rockin' The Fillmore.

Sin duda alguna un concierto grabado en el mejor momento de los Humble Pie, luego de cuatro discos donde lograrían consolidar un rock más crudo y un blues desgarrado gracias a la voz aguardientosa de Marriott.

Abre el album Four Day Creep, un tema con mucho boogie que va preparando el terreno para todo lo que se viene. I'm Ready, cover de Muddy Waters, abre con un juego voz/guitarra entre Marriott y Frampton para luego dar lugar a un tema desenfrenado, muy pero muy bueno, donde Frampton nos regala un solo notable al minuto 5. El track número 3 se titula Stone Cold Fever, aquí una pequeña sugerencia: súbanle TODO el volumen a su equipo y vuelen!

A continuación los dos temas más extensos de todo el disco (ambos ocuparon todo el lado dos y lado tres, respectivamente, de la versión original en vinilo). En I Walk On Gilded Splinters la banda nos regala más de 23 minutos de un sonido muy relajante con una excelente sección rítmica demostrando así toda su calidad. Rollin' Stone, otro grandioso cover del maestro Muddy Waters, está lleno de diversas "atmósferas" que sólo se comprenden al escuchar la canción.

Y llegamos a la parte final del album con un cover de Ray Charles: Hallelujah. I Love Her So, tema muy pegadizo y bueno. Ahora sí, la cereza que decora la torta... la inigualable: I Don't Need No Doctor, una canción que cierra de manera estupenda este discazo. A disfrutar se ha dicho.

ALTEMENTE RECOMENDADO

Integrantes:

Steve Marriott - Guitarra, Voz, Harmonica
Peter Frampton - Guitarra, Voz
Greg Ridley - Bajo, Coros
Jerry Shirley - Batería

Lista de canciones:

Four Day Creep - 03:46
I'm Ready - 08:31
Stone Cold Fever - 06:18
I Walk On Gilded Splinters - 23:25
Rollin' Stone - 16:07
Hallelujah. I Love Her So - 05:10
I Don't Need No Doctor - 09:15

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PINK FLOYD - ECHOES (LIVE AT POMPEII - 1972) R.I.P RICK WRIGHT

2008-09-15T21:05:00.016-05:00

Acabo de escuchar la noticia y aún no lo puedo creer... es increíble como la vida puede ser tan injusta a veces. Richard William Wright dejó de existir hoy, a la edad de 65 años, victima del maldito cáncer. Sí, se nos fue jovencísimo.

Arquitecto de las más alucinantes texturas musicales, Wright fue pieza fundamental en la música de PF. Sus aportes a la banda, muchas veces menospreciadas por personas que creen que Floyd empieza y acaba con Waters y/o Gilmour, ayudaron a configurar ese exquisito sonido por el cuál ahora se le conoce e idolatra a esta extraordinaria banda inglesa.

Para el recuerdo quedará su abrupta salida del grupo (despido arbitrario diría yo, por parte de Waters) tras grabar el genial “The Wall”, para luego ser contratado como tecladista (sin integrar oficialmente la banda) para la gira respectiva, hecho que le permitió, irónicamente, ganar más dinero que sus compañeros. Cosas de la vida.

Ahora, los que creíamos que una reunión era posible hemos quedado con las esperanzas hechas añicos. Gracias por todo Rick, por tu talento, por ese comportamiento a la “English way” tan propio de ti, por haber estado en el momento preciso en el lugar indicado pues pasarán más de 1000 años antes que 4 talentos de ese calibre puedan juntarse nuevamente.

Shine on Rick! Ahora tocas junto a Syd en el "Gran concierto en el cielo"…

Disfrutemos de este video. El año es 1972, Floyd filma un concierto que es denominado “el antiwoodstock” pues no fue presenciado por nadie, exceptuando los técnicos y camarógrafos.

Tras miles de años de silencio, el anfiteatro de Pompeya recibe a estos 4 músicos. La canción: Echoes. Si es posible tocar el cielo…

THE WHO - QUADROPHENIA (1973)

2008-09-15T21:04:00.004-05:00

"Es la mejor música que jamás he escrito, y creo que es el mejor álbum que jamás crearé"
- Pete Townshend a propósito de “Quadrophenia”.

THE WHO, banda de las grandes ligas sin lugar a dudas. Uno de los grupos más influyentes de todos los tiempos, abrazaron la gloria a finales de la década de los 60’s e inicio de los 70’s, cuando su inconfundible estilo “rock and roll” sonaba furiosamente en las estaciones radiales. Sin embargo, Townshend y compañía también coquetearon con otros géneros, incluido el Progresivo…

Y, diablos, ¡lo que salió de ello es una obra maestra en toda su dimensión! Tremendo disco el que nos regaló el buen Pete, ápice de su carrera y una lección de cómo hacer rock progresivo de calidad. Recordemos que años atrás esta genial banda inglesa había lanzado al mercado “Tommy” (1969), a mi entender su primera placa progresiva, en la que tuvimos una pequeña probada de lo que se vendría 4 años después. Evolución señores, la clave del éxito.

Como su titulo sugiere, “Quadrophenia” proviene de la palabra “esquizofrenia” que en términos populares (no médicos) alude a un desorden de la personalidad, reflejada en las distintas personalidades de Jimmy, el anti-héroe protagonista del álbum:

Un chico duro, un bailarín inútil. (Roger Daltrey)
Un romántico, ¿Soy yo por momentos? (John Entwistle)
Un maldito lunático, incluso cargaré tu equipaje. (Keith Moon)
Un mendigo, un hipócrita, el amor reina en mi (Love reign o'er me) (Pete Townshend)

Se trata de un fiel reflejo de la sociedad Británica de inicio de los 60’s, cuando el uso de las drogas, la nueva filosofía juvenil (asociada a la nueva música) y el querer pertenecer a algo (Jimmy era parte de los ‘Mods’, grupo ideológico que degeneraría a lo que hoy conocemos como los ‘cabeza rapadas’) eran inquietudes imperantes en las mentes de los jóvenes.

A no perderse este álbum, discazo espectacular sin el cuál ninguna colección de rock estaría completa.

Shine on!

Integrantes:

John Entwistle: bajo, cuerno y coros
Roger Daltrey: voz
Keith Moon: batería, percusión y voz en "Bell Boy"
Pete Townshend: voz, guitarras, sintetizadores, piano, banjo, efectos de sonido y coros

Lista de canciones:

Disco 1

"I Am the Sea" - 2:08
"The Real Me" - 3:20
"Quadrophenia" - 6:15
"Cut My Hair" - 3:46
"The Punk and the Godfather" - 5:10
"I'm One" - 2:39
"The Dirty Jobs" - 4:30
"Helpless Dancer" - 2:32
"Is It in My Head?" - 3:46
"I've Had Enough" - 6:14

Disco 2

"5:15" – 5:00
“Sea and Sand" – 5:01
"Drowned" – 5:28
"Bell Boy" – 4:56
"Doctor Jimmy" – 8:42
"The Rock" – 6:37
"Love, Reign o'er Me" – 5:48

Link de descarga:

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PINK FLOYD - THE MAN AND THE JOURNEY (1969)

2008-09-11T08:27:00.011-05:00

Un regalo para todos los fanáticos de la super banda inglesa Pink Floyd.

El álbum contiene un concierto realizado el 17 de Septiembre de 1969 en el Concertgebouw ubicado en la ciudad de Amsterdam. Dos discos denominados The Man y The Journey. Espero que lo disfruten.

Integrantes:

Roger Waters
David Gilmour
Richard Wright
Nick Mason

Lista de canciones:

Disco1:

Introduction
Daybreak
Work
Teatime
Afternoon
Doing It
Sleep
Nightmare
Daybreak (part 2)

Disco2:

The Beginning
Beset By The Creatures Of The Deep
The Narrow Way
The Pink Jungle
The Labyrinths Of Auximenes
Behold The Temple Of Light
The End Of The Beginning

Links de descarga:

DISCO1:

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DISCO2:

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Eloy - Ocean (1977)

2008-09-10T14:00:00.015-05:00

"Hubo una vez hace mucho (hace casi diez mil años) una gran isla, próspera y bien poblada, que los griegos llamaron Atlántida, porque estaba en el océano occidental, más allá de las Columnas de Hércules, frente al Atlas africano. Y también porque su primer rey se llamó Atlas, primogénito del dios Poseidón y de la bella Clito. De la estirpe del prolífico dios marino fueron sus diez primeros reyes, cinco pares de gemelos. Ellos y sus descendientes afirmaron el poder monárquico y dieron leyes a un extenso imperio. En el llano central de la gran isla -más extensa que Libia y Asia Menor unidas- se alzaba una colina y en ella la espléndida ciudad de los atlantes. Estaba rodeada de varios anillos de tierra y mar -tres canales acuáticos y dos anillos terrestres- , que en un principio sirvieron de defensa a la población, pero luego se enlazaron mediante pasajes subterráneos y puentes. Y en sus puertos y astilleros albergaron una magnífica flota para su formidable talasocracia. Pues pronto los atlantes lograron grandes progresos técnicos y crearon un numeroso ejército.

Con apoyo divino la estirpe de los atlantes se multiplicó y logró inmenso poderío. Nunca una dinastía regia dispuso de tantas riquezas. La isla era extraordinariamente rica en metales: oro, plata, hierro, además del fabuloso oricalco, y en su flora y fauna. Con su variedad inagotable de plantas, fértiles cosechas y animales de todo tipo, incluidos los elefantes, ofrecía recursos y maravillas en cantidad ilimitada. La arquitectura y la ingeniería rivalizaban en mostrar su esplendor: las murallas refulgían recubiertas de hierro, plata y oro; marfil y oricalco se añadían al oro en los templos, rodeados de estatuas espléndidas; las animadas dársenas y amplios puertos, el gran hipódromo, los verdes parques y las piscinas completaban un espectáculo magnífico. Pero ese esplendor impulsaba también la ambición imperial de los atlantes que, embriagados de lujo y soberbia, se lanzaron con sus muchos miles de guerreros y navíos a someter a todos los países del Mediterráneo. Y casi lo habían conseguido ya cuando chocaron con los atenienses de entonces, dispuestos a luchar en defensa de la libertad.

La antigua Atenas, protegida por Atenea y Hefesto, era entonces una ciudad austera y organizada según severas leyes cívicas como las que Platón describió en sus proyectos de la ciudad ideal. Y sucedió que en una sola batalla, su ejército ciudadano derrotó al muchísimo más numeroso de los invasores atlánticos, con el mismo coraje heroico que empleó muchos siglos después contra el inmenso ejército de los persas de Jerjes. La derrota puso fin al afán imperial de la orgullosa Atlántida. Y poco después la isla entera desapareció. En un violento terremoto y un diluvio extraordinario, en un día y una noche, Atlántida acabó sumergida bajo las aguas del océano. La inmensa catástrofe fue, al parecer, un castigo de los dioses, un golpe del justiciero Zeus, a su soberbio esplendor y desmedida arrogancia.

Todo el relato mítico sobre la Atlántida es una fantasía del viejo Platón, que nos lo cuenta en dos diálogos tardíos: el Timeo y en el Critias. La intención del filósofo era oponer la desmedida soberbia de un imperio despótico a la valentía de su ciudad ideal, sencilla y heroica combatiente por la libertad. El esplendor urbano y la riqueza de la ciudad de los atlantes evoca las maravillas de ciudades orientales como Babilonia y Susa; la talasocracia atlántica, el legendario poderío naval de la minoica Creta. La arcaica Atenas que Platón describe tiene, como la ciudad de sus Leyes, reflejos espartanos. Por lo demás, el desmedido imperialismo atlántico evoca el empeño imperial de la Atenas demagógica, que se lanzó un día a la conquista de Sicilia de trágico final. Platón opone a la Atenas democrática y ambiciosa de su tiempo esa primitiva y virtuosa Atenas, educada según sus diseños utópicos. Para su lección juega con la trama mítica. La introduce, con hábil ironía, como una narración que un sacerdote egipcio (pues los egipcios conservan memoria de un pasado milenario frente a los griegos que, para los sabios egipcios, suelen ser como niños) refirió a Solón, el sagaz viajero, quien lo contó luego a Critias, el abuelo del Critias que, a su vez, lo relata en el Timeo. Al viejo Platón, un tanto melancólico, le encantaban los mitos, y en el Critias, que dejó inacabado, se deleita contando las maravillas de la Atlántida, un espejismo que él mismo creó y destruyó. (Esa destrucción mediante una catástrofe natural pudo inspirarse en diluvios de relatos míticos. Algún arqueólogo moderno sospecha que el cataclismo es un eco del gran terremoto que casi hundió en el Egeo la isla de Tera, en Santorini, y destruyó los palacios de Creta en el segundo milenio antes de Cristo).

Ni en sueños imaginó Platón la fascinación perdurable que su ejemplar ficción suscitaría desde el comienzo de la edad moderna, unos dos mil años más tarde de su invención. La Nueva Atlántida, de Roger Bacon (publicada tras su muerte, en 1627), y la famosa novela La Atlántida, de Pierre Benoit (1919), son sólo los dos ejemplos literarios más conocidos de los cientos y cientos de escritos sobre la isla fantasmal. En esos textos se han prodigado los mensajes exotéricos y las novelas utópicas y la ciencia-ficción. Incontables son los mapas que tiene la Atlántida dibujada en medio del océano entre Europa y América, desde el siglo XVII, y los ecos del mito y las sombras de los atlantes resurgen en las discusiones y fantasías sobre el Nuevo Mundo ya en el anterior. Desde luego, al mito no le faltaban ingredientes de enorme seducción: la Edad de Oro, la isla del paraíso (que combina la más pródiga naturaleza con la más refinada arquitectura), el fulgor de su perfecta geometría urbana, una monarquía de origen divino y el dominio de los mares, y, para culminar su fantasmagoría, la sorprendente y misteriosa catástrofe final. Sobre esa prodigiosa deriva imaginaria de la isla oceánica tenemos ahora el reciente libro de Pierre. Vidal-Naquet, La Atlántida. Pequeña historia de un mito platónico (Akal), que rastrea su estela inagotable y analiza la bibliografía de los últimos siglos. Es, sin duda, el mejor estudio crítico sobre el tema, y une su clara amenidad a su admirable erudición" [Tomado del Portal de TV Peru]

Sexto disco de la super banda alemana Eloy, editado en 1977. Álbum conceptual que describe el apogeo y la caída de la mítica ciudad de Atlantis. Cuatro temas que recrean de manera extraordinaria diferentes atmósferas utilizando maravillosos arreglos instrumentales y vocales. Sin duda, un disco considerado una obra cumbre dentro del género Space Rock.

ALTAMENTE RECOMENDADO

Integrantes:

Frank Bornemann - Guitarra, voz
Klaus-Peter Matziol - Bajo, voz
Jürgen Rosenthal - Batería, percusión, flauta
Detlev Schmidtchen - Teclados, melotrón, xilófono, voz

Lista de canciones:

Poseidon's Creation - 11:38
Incarnation of the Logos - 8:25
Decay Of The Logos - 8:15
Atlantis' Agony at June 5th - 8498, 13 P.M. Gregorian Earthtime - 15:35

Link de descarga:

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JOHN COLTRANE - A LOVE SUPREME (1965)

2008-09-09T22:18:00.002-05:00

Uno de los discos más importantes e influyentes de la historia del jazz, “A Love Supreme” significó un intento del genial John Coltrane por alcanzar la perfección en su música.

¡Y vaya que lo logró! Se trata de una placa impecable, en la que el fenomenal saxofonista plasma todo su talento en cuatro movimientos, cada uno más genial que el anterior. Un disco perfecto para escucharlo en esos momentos de introspección, compartiendo una amena charla con buenos amigos o con esa persona especial, a la luz de las velas.

Compruébenlo, es el ingrediente ideal para convertir una bonita velada en inolvidable. Espero sus comentarios y/o agradecimientos.

¡A disfrutar!

Integrantes:

John Coltrane – saxo, tenor, director
McCoy Tyner – piano
Jimmy Garrison – bajo
Elvin Jones – percusión

Lista de canciones:

"Acknowledgement" – 7:42
"Resolution" – 7:19
"Pursuance" - 10:42
"Psalm" – 7:02

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BLUE CHEER - VINCEBUS ERUPTUM (1968)

2008-09-09T19:23:00.005-05:00

"Blue Cheer's three musicians played heavy blues-rock, and played it very loud"

Super power-trio de San Francisco formado a finales de los 60's, cuyo nombre proviene de una variedad de LSD. Banda pionera del sonido stoner rock, heavy metal y grunge. ¿Algo más que agregar?

Publican su primer LP en 1968 bajo el nombre de Vincebus Eruptum, disco con seis temas que demuestran un sonido revolucionario para la época.

El ábum abre con Summertime Blues, cover de Eddie Cochran, un tema desenfrenado con mucha distorsión, solos de guitarra furiosos, y una batería arremetedora. Le sigue Rock Me Baby, donde la banda rinde homenaje a sus raices blues-rock de manera espectacular con la voz desgarradora de Peterson.

Doctor Please es el track número tres y, sin duda alguna, la canción más "oscura" del disco. Sonido estruendoso, ácido, distorsionado.... ROCK AND ROLL! cerca, muy cerca Out Of Focus.

El tercer cover del album se titula Parchment Farm, tema que contiene un alucinante jammin psicodelico pasado el primer minuto de duración. Finalemnte, en Second Time Around los "muchachos" nos regalan solos de batería y bajo cerrando el álbum con broche de oro.

ALTAMENTE RECOMENDADO... Disco para escuchar a todo volumen!

Integrantes:

Dickie Peterson - Bajo, Voz
Leigh Stephens - Guitarra
Paul Whaley - Batería

Lista de canciones:

Summertime Blues
Rock me Baby
Doctor Please
Out Of Focus
Parchment Farm
Second Time Around

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COLD SUN - DARK SHADOWS (1970)

2008-09-03T01:00:00.006-05:00

"If it ain’t peyote, it ain’t from Texas"

La máquina del tiempo nos lleva al año 1966. 13th Floor Elevators, pioneros del Psychedelic Rock, acaban de publicar su primer LP y Bill Miller, devoto seguidor de la banda, se dedica a explorar la escena local y darle forma al proyecto que en los próximos dos años se llamaría Amethyst (al parecer el nombre Cold Sun tiene un origen misterioso y probablemente se usaba al mismo tiempo que el anteriormente mencionado).

La banda texana graba en 1970 un disco que vería la luz 19 años después bajo el nombre de Dark Shadows. En éste álbum podemos apreciar un sonido muy original, dominado por el uso del auto-harp en las manos de Miller, guitarras desenfrenadas cortesía de Mcgarrigle y una excelente base rítmica por parte de Kearney y Waugh.

Este tremendo disco/viaje comienza con South Texas, sin duda una de las mejores canciones del género psicodélico y que en las palabra del propio Miller está inspirada en un fin de semana junto a dos chicas, una gran botella de peyote y , aunque suene alucinate, en las voces de las lagartijas en la carretera.

El segundo tema se titula Twisted Flower e inicia con un solo de auto-harp simulando un bajo, a continuacion la batería marca el tiempo para que nuestros oidos se deleiten con un señor temaza.

Here in The Year es un pedazo de cielo, ocho minutos hechos para dejarse llevar por la tremenda onda envolvente que logran estos excelentes músicos en este tema.

For Ever continua en la onda experimental regalándonos una mixtura de sonidos que nos atrapan de inicoo a fin con la constante pregunta: Where does he come from?... Alguna respuesta?

En See What You Cause se muestra una de las más claras influencias de esta banda, digánme si el tema no les recuerda en ciertos momentos a I'm Waiting For The Man de los Velvet Underground.

Como cierre de las canciones en estudio tenemos a Fall y Ra-Ma, dos temas exquisitos en lo instrumental. La primera con un sonido oscuro y la segunda con unos cambios de "tempo" que te ponen al borde de la locura de lo bien que suenan.

Finalmente tenemos dos "live bonus" donde la banda demuestra todo su potencial en directo.

Sin duda un disco que vale la pena tener en tu coleccion.

ULTRA RECOMENDADO

Integrantes:

Bill Miller - Autoharp, Voz
Tom Mcgarrigle - Guitarra
John Kearney - Batería
Mike Waugh - Bajo

Lista de temas:

South Texas
Twisted Flower
Here In The Year
For Ever
See What You Cause
Fall
Ra-Ma
Live Again [1972] - Bonus Track
Mind Aura [1972] - Bonus Track

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PINK FLOYD - WISH YOU WERE HERE (1975)

2008-09-02T23:54:00.007-05:00

“Quintaesencia: Para Empédocles el universo se componía de cuatro elementos o esencias: tierra, agua, aire y fuego. Para Aristóteles, había uno más, de índole superior, mucho más sutil: el éter… un quinto elemento, en griego ‘pempte ousia’ traducido al latín por ‘quinta essentia’ que correspondía al elemento visible que llena al universo. La quintaesencia es lo más fino que existe, lo esencial, lo más perfecto y puro.”

Busquen en el diccionario la palabra quintaesencia y encontrarán una foto del “Wish You Were Here”. Era el año 1975, Pink Floyd había tocado el cielo tras el gigantesco éxito del genial “Dark Side of the Moon”. La banda se encontraba física, anímica y mentalmente agotada por las intensas giras a las que se sometían. Nadie jamás se imaginó que podrían rebasar la calidad lograda en su anterior placa, era un desafío que parecía imposible de superar…

Nadie, excepto el mismísimo Roger Waters. Este asumió el reto, tomó el control creativo y sacó adelante EL ÁLBUM que terminó de consagrar a esta excepcional banda inglesa. Fanáticos y críticos alrededor del mundo se rindieron ante este fabuloso disco, ápex absoluto del rock progresivo y obra maestra de la música en general.

En este trabajo, Waters y compañía le rinden tributo a su fundador y antiguo líder Syd Barret, otrora genio de la psicodelia y consumidor compulsivo de LSD, droga que lo llevaría a la desgracia. De esta manera Floyd llora por su héroe caído, deseando que él también ‘estuviese allí’ para disfrutar del éxito que finalmente habían alcanzado.

“Shine on you Crazy Diamond (Parts I to V)” es genial en todo el sentido de la palabra. La extraordinaria guitarra de David Gilmour domina gran parte del track, adquiriendo un tono melancólico. Waters se ocupa de la parte lírica, exigiéndole a Syd que “recuerde cuando era joven, cuando brillaba como el sol”. Una gloria.

La excelente “Welcome to the machine” hace alusión a la ‘maquinaria’ en que se habían convertido los grandes sellos discográficos y sus desalmados directivos, cuyas presiones y exigencias fueron culpables indirectos de la debacle de Syd. Termina la canción y escuchamos un ascensor… se abre la puerta y se escucha gente aplaudiendo… un ejecutivo le ofrece un habano a la joven estrella.

De esa manera arranca “Have a Cigar”, ácida crítica a las empresas discográficas y repleta de sarcasmo (la canción es supuestamente cantada por un ejecutivo musical que sólo le importa lucrar sin siquiera conocer el nombre de sus artistas. Esto queda patente en la línea “Oh by the way, which one’s Pink?”). El clímax se alcanza en el demoledor solo de guitarra final que los dejará con la boca abierta.

Alguien cambia la estación radial, buscando algo que escuchar en el dial. Se detiene al escuchar un hermoso ‘riff’ de guitarra acústica. Estamos en la penúltima pista, justamente la que le da el nombre al álbum: “Wish You Were Here”. Sentido homenaje al gran Syd, relata como le arrebataron sus sueños y esperanzas para luego culminar con la hermosa frase ‘como me gustaría que estuvieses aquí’. Al borde de las lágrimas llegamos a la última canción…

Continuación de la 'suite' principal, “Shine on you Crazy Diamond (Parts VI to IX)” contiene uno de los mejores solos de guitarra jamás concebidos. Se puede palpar la desesperanza, la angustia que debió haber sentido Syd al ver que todo (su talento, su futuro, su vida) se le iba de las manos. ¡Maravilloso!
En contraste, la parte cantada está llena de esperanza. Un recordatorio que no todo esta perdido, que por más oscura que sea la noche siempre hay un amanecer…

Lamentablemente el diamante loco ahora brilla en el cielo. Descansa en paz Syd, nunca terminaremos de agradecerte por ser tú la semilla de esta genial banda e inspirar, muchos años después, su mejor trabajo.

Es difícil reseñar un disco con tanto significado personal, las palabras resultan inútiles cuando de describir la belleza absoluta se trata.

Quintaesencial. No hay pierde con Pink Floyd.

Apreciación personal del álbum: Perfección artística.

Integrantes:

Roger Waters: voz, bajo, guitarra, sintetizador.
David Gilmour: voz, guitarra, bajo adicional.
Nick Mason: batería.
Richard Wright: teclados, sintetizador, voz

Lista de canciones:

"Shine On You Crazy Diamond (Parts I to V)" 13:30
"Welcome to the Machine" 7:27
"Have a Cigar" 5:08
"Wish You Were Here" 5:40
"Shine On You Crazy Diamond (Parts VI to IX)" 12:22

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SIR LORD BALTIMORE - KINGDOM COME / SIR LORD BALTIMORE (1970/1971)

2008-08-30T12:22:00.016-05:00

Fanáticos y fanáticas del hard rock setentero, con ustedes: Sir Lord Baltimore. Super power trio de Brooklyn, considerados pioneros del Stoner Rock y banda que, con su primer disco, inspiró en una reseña el uso de un término desconocido hasta entonces: Heavy Metal.

La banda se formó en 1968 con John Garner en la batería y voz principal, Louis Dambra en las seis cuerdas y Gary Justin al bajo. Los "muchachos" consiguen su primer gran concierto tras audicionar para el caza talentos Mike Appel y bajo su tutela debutan en el New York's Carnegie Hall. Posteriormente graban el Kingdom Come y "telonean" a bandas como J. Geils Band y Black Sabbath en el New York's Fillmore East. Tras estos conciertos se les une como segundo guitarrista Joey Dramba, hermano de Louis, y graban Sir Lord Baltiomre. Luego del segundo LP la banda se resquebraja y al poco tiempo se separan.

Ahora sí señores, nos vamos al disco. Las primeras 10 canciones son del disco Kingdom Come publicado en 1970. Abre Kingdom Come, tema con un intro donde Mr. Dambra le da con furia al vibrato y la batería marca un redoble que luego se convertiría en típico del heavy metal. I Got A Woman contiene un bajo furioso que combina de manera perfecta con la batería en el outro de la canción. Hell Hound y Helium Head son, sin duda alguna, dos de las mejores canciones del disco... velocidad, mucha velocidad y John Garner cantando de manera desgarradora. Ain't Got Hung On You: 2 minutos 20 segundos de furia, te garantizo que la escucharás varias veces antes de pasar al sigueinte track. Llegamos a Master Heartache y Hard Rain Fallin' con unas guitarras pesadas y más velocidad! Lady Of fire, el tema más rockanrollero del disco... una joyita. Lake Isle Of Innersfree es un tema acústico muy relajante. Pumped Up cierra con broche de oro ésta primera parte del disco, con sonido excelente de las guitarras.

Los 6 temas restantes pertenecen al album Sir Lord Baltimore grabado en 1971. Para este disco se contaba con una segunda guitarra lo cual le da mayor solidez al sonido de la banda. Abre Chicago Lives, Louis y Joey nos demuestran que la hermandad no la llevan sólo en la sangre, logran combinarse de manera perfecta con el sonido del resto de la banda. Loe And Behold cuenta con varios cambios de tempo, lo cual hace muy interesante este tema. En Woman Tamer la banda baja un poco las revoluciones pero igual nos regalan tremendo temaza. Caesar LXXI y Man From Manhattan son los dos temas más oscuros y experimentales de todo el disco, te atrapan en una. Como cierre del album un tema en vivo: We are we Going?... Cada uno de nosotros ya debe tener la respuesta en mente. Disfruten el disco, saludos a todos.

ALTAMENTE RECOMENDADO

Integrantes:

John Garner - Voz, Batería
Louis Dambra - Guitarra
Gary Justin - Bajo

Lista de canciones:

Kingdom Come
I Got A Woman
Hell Hound
Helium Head (I Got A Love)
Ain't Got Hung On You
Master Heartache
Hard Rain Fallin'
Lady of Fire
Lake Isle Of Innersfree
Pumped Up
Chicago Lives
Loe And Behold
Woman Tamer
Caesar LXXI
Man From Manhattan
Where Are We Going?

Canciones del 01 - 10 : Kingdom Come (1970)

Canciones del 11 - 16 : Sir Lord Baltimore (1971)

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I CAN SEE FOR MILES!!!!!!

2008-08-27T23:00:00.001-05:00

YES - FRAGILE (1972)

2008-08-27T22:39:00.018-05:00

"Tell the moon-dog, tell the march-hare. We have heaven"

YES, uno de los 5 grandes del Prog Rock sin lugar a dudas. Letras filosóficas y virtuosismo instrumental son su marca registrada.

Esta vez les traigo uno de sus mejores álbumes, tan monumental como ambicioso, que ha influenciado a incontables músicos alrededor del mundo (adivinen de dónde tomaron su nombre los peruanos de “Frágil”) y maravillado a los que no lo somos.

Vamos al disco, amigos:

El disco abre con la excelente “Roundabout”, en la cuál Steve Howe nos regala un intro de guitarra acústica demoledor. Atención al solo de teclado de Rick Wakeman, recientemente integrado al grupo, que se convertiría en pieza fundamental del gran éxito de esta genial banda progresiva.

En el siguiente track, “Cans and Brahms”, Wakeman nos da una probada de su educación en la música clásica. Se trata de una pieza de Johannes Brahms con arreglos por parte del buen Rick.

Continúa “We Have Heaven”, en la que Jon Anderson interpreta múltiples partes vocales superpuestas, creando de esta manera un coro compuesto por un solo hombre.

A continuación, el sonido del viento nos atrapa. Hemos llegado a mi canción favorita de todo el álbum: la extraordinaria “South Side of the Sky”. Trata de un grupo de exploradores que quedan atrapados en la antártida y sus penurias por alcanzar la salvación. Todos mueren.

Es aquí donde YES alcanza uno de sus picos más altos: la voz de Anderson es cuasi-celestial, la guitarra de Howe es realmente, en serio, realmente fuera de este mundo, Wakeman brilla en lo suyo (en especial en el intermedio) al igual que el talentoso Squire en el bajo y Bruford en la percusión. Definitivamente dentro de mis TOP 10 de todos los tiempos.

La extraña “Five Per Cent For Nothing” tiene una belleza que atrapa y da pie a la siguiente canción “Long Distance Runaround”, otro track muy conocido y de elevadísima factura. A estas alturas uno podría pensar que es imposible obtener algo mejor que esto.

Y nos equivocamos…

¿Qué sucede si le das un bajo a un músico con talento innato? La respuesta: “The Fish (Schindleria praematurus)". Sublime solo de bajo, algo poco usual de escuchar, cortesía del extraordinario Chris Squire.

En el penultimo track del álbum, “Mood for a day”, Steve Howe da rienda suelta a su genialidad al mejor estilo flamenco. Puro corazón y técnica de este gran músico que se luce a lo largo y ancho de este álbum. De esta manera, con el éxtasis al tope, llegamos a la última canción.

El clásico de clásicos “Heart of the Sunrise” es sinónimo de perfección absoluta. Exquisita de inicio a fin, partes instrumentales y cantadas vienen y van para finalizar en un “reprise” de “We have Heaven”, dándole un aire de solemnidad a este fenomenal álbum que logra capturar la mejor esencia del prog rock.

Infaltable, imperdible, indispensable, incomparable. Adjetivos sobran para describir este grandioso trabajo.

Integrantes: Alineación de lujo

Jon Anderson: vocales
Chris Squire: bajo, vocales
Steve Howe: guitarra eléctrica y acústica, vocales.
Rick Wakeman: órgano, piano, metrollón y sintetizador.
Bill Bruford: batería, percusiones.

Lista de Canciones:

"Roundabout" 8:33
"Cans And Brahms" 1:38
"We Have Heaven" 1:40
"South Side Of The Sky" 7:58
"Five Per Cent For Nothing" 0:35
"Long Distance Runaround" 3:30
"The Fish (Schindleria praematurus)" 2:39
"Mood For A Day" 3:00
"Heart Of The Sunrise" 11:27

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TRUTH AND JANEY - ERUPTS! (1976)

2008-08-27T16:20:00.012-05:00

Luego de disfrutar de un excelente disco de Iron Maiden, cortesía de Jonathan, nos toca viajar nuevamente hacía la década del 70', específicamente al año 1976. Aqui nos encontramos frente a una banda de culto para cualquier fanático del hard rock y un disco en vivo realmente impactante. Truth And Janey nos presentan Erupts!, 71 minutos de poderosas ondas sonoras repartidas en 13 canciones con claras influencias de Hendrix, Zeppelin, Cream, Sabbath y Captain Beyond.

Este discazo abre con No Rest for the Wicked, tema que a mi parecer es un ABC de un buen hard rock, un riff que te pone los pelos de punta junto con un excelente trabajo en la batería y ni que decir de Jeaney que se luce en el solo. Birth of the Heart y Universal Light son dos temas de escuela hendrixiana mucho wah wah, mucho fuzz. A Child y Building Walls le ponen la nota oscura y pesada al disco. Aqui tenemos la primera pausa en el concierto donde la banda, como debe ser, agradece a su audiencia y le promete muchos más "tunes" para posteriormente regalarles tres temazas: Tunnel of Tomorrow, The Light y One Down One to Go. A continuación tenemos un hard blues de cinco estrellas llamado White Bread. My Mind y As I Am tienen cierta estela psicodélica. Finalmente tenemos dos perlas en la onda blues rock Ain't no Telling y Hard Road, un cierre de lujo para este disco que nos regala una banda en su mejor nivel y demostrando lo que significa ser parte de un POWER TRIO.

ALTAMENTE RECOMENDADO

Integrantes:

Bill Janey - Guitarra, Voz
Steve Bock - Bajo, Voz
Denis Bunce - Batería, Voz

Lista de canciones:

No Rest for the Wicked
Birth of the Heart
Universal Light
A Child
Building Walls
Tunnel of Tomorrow
The Light
One Down One to Go
White Bread
My Mind
As I Am
Ain’t No Tellin
Hard Road

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SOULSODROMO EN EL DELFUS BAR

2008-08-26T22:44:00.001-05:00

IRON MAIDEN - THE NUMBER OF THE BEAST (1982)

2008-08-26T17:06:00.004-05:00

"The Number of the Beast" es... el 666. Y también es el nombre del tercer álbum de la venerada banda inglesa de Heavy Metal, Iron Maiden. Este 'Número de la Bestia' catapultó a la 'Doncella de Hierro' a lo más alto del mundo del Rock desde el mismo momento que salió a las calles en Marzo de 1982.

El álbum incluyen temas clásicos, no solo de la banda, sino del heavy en general: "Run to the Hills", "Hallowed Be Thy Name" o la propia "The Number of the Beast". Asi mismo marca el inicio de la era 'Dickinsoniana' de la Doncella con la inclusión de Bruce Dickinson como nuevo vocalista de la banda y el que le dio un nuevo aire al sonido del grupo con su potente voz, llegando a tonos que darían a Maiden la fuerza que le faltaba y la personalidad que hoy es reconocible en cada tema de la agrupación.

Como el mismo Dickinson afirmó en alguna oportunidad, "El material del álbum es muy simple, es un disco simple: y aún asi es bueno"; tan bueno como controversial, desde el diseño de la carátula (en la que se ve a la mascota de la banda Eddie con una marioneta del diablo, y al diablo con una marioneta de Eddie, haciendo tomar en un inicio a la gente a Maiden como una banda satánica) hasta las elocuentes líricas. Con un "Run to the Hills" que hace referencia a la conquista de los indígenas norteamericanos por parte de los ingleses. O con un estremecedor "Hallowed be Thy Name" en donde se describe los pensamientos de un hombre momentos antes de ser enviado a la horca que siente en un principio terror, pero entonces se da cuenta de que realmente no teme a la muerte. Al final de la canción, el hombre es ejecutado; precedido por una magnífica sección instrumental, culminando en sus palabras finales, "Hallowed be Thy Name" -Santificado sea su nombre- y los respectivos escalofríos generados por la crudeza y fuerza del tema.

Indispensable presencia en cualquier colección, este álbum merece ser escuchado y reescuchado.

Integrantes:
* Steve Harris - bajista
* Bruce Dickinson - vocalista
* Dave Murray - guitarrista
* Adrian Smith - guitarrista
* Clive Burr - baterista
Este es el último disco de Iron Maiden con Clive Burr debido a problemas personales relacionados con la gira.

Lista de canciones del Remasterizado:
1. "Invaders" (Harris) – 3:23
2. "Children of the Damned" (Harris) – 4:34
3. "The Prisoner" (Smith, Harris) – 6:02
4. "22 Acacia Avenue" (Smith, Harris) – 6:36
5. "The Number of the Beast" (Harris) – 4:50
6. "Run to the Hills" (Harris) – 3:52
7. "Gangland" (Smith, Burr) – 3:47
8. "Total Eclipse" (Di'Anno, Harris, Burr) – 4:25
9. "Hallowed Be Thy Name" (Harris) – 7:10

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Jethro Tull - Thick as a brick (1972)

2008-08-25T20:45:00.005-05:00

“Si los críticos quieren un álbum conceptual, les daremos un álbum conceptual y lo haremos demasiado bombástico y exagerado”

Esa fue la respuesta de Ian Anderson a los críticos que etiquetaron de conceptual a su anterior disco (el genial “Aqualung”), una denominación que éste rechaza hasta nuestros días. Con esa idea en mente, Anderson se embarcó en la tarea de crear el más “pretencioso” de los álbumes, como una feroz parodia a los discos de otras bandas progresivas como “Emerson, Lake & Palmer” y “Yes”.

¿El resultado? Una obra maestra en todo el sentido de la palabra. Había nacido la “madre” de todos los álbumes conceptuales. Estamos hablando de un disco esencial y absolutamente imperdible.

El álbum consta de una sola canción (de donde sale su nombre) compuesto en base a un poema escrito por un pequeño de 8 años llamado Gerald "Little Milton" Bostock quien no es más que el alter ego de Anderson. La trama gira en torno al niño, que escribe un poema para un concurso y es descalificado por los jueces por utilizar una palabra de 4 letras (nunca mencionada claramente). La verdadera causal de su eliminación sería porque el poema desnudaba la doble moralidad de época y tocaba temas tan delicados como la sexualidad y las relaciones familiares.

Esta idea fluye maravillosamente durante los 43 minutos que dura la canción. Si la parte lirica es genial, la parte musical es de otro mundo. Empieza como una suave balada para a los 3 minutos… ¡boom!... convertirse en una de las mejores demostraciones de rock progresivo jamás grabadas.

Se trata de un trabajo bastante complejo, muy denso y cuyo completo significado no es posible interpretarlo de manera inmediata. Es rock prog en su mejor forma, difícilmente podrán conseguir algo mejor que esto en el género. Aún cuando les parezca excesivo escuchar una sola canción durante 43 minutos, aproxímense con mente abierta y obtendrán satisfacción garantizada. Les doy mi palabra, amigos.

Mención aparte merece su alucinante portada, un ficticio diario de 12 páginas (el “St. Cleve Chronicle) con noticias, sección de juegos, horóscopo, etc. La cereza que le faltaba al helado, convirtiendo al disco en un producto redondo, desbordante de originalidad, que quedará en la historia como una de la más grandes - y mejores - grabaciones de todos los tiempos.

Integrantes:

Ian Anderson: voz, guitarra acústica, flauta, violín, saxofón y trompeta.
Martin Barre: guitarra eléctrica y laúd.
John Evan: piano, órgano y clave.
Jeffrey Hammond-Hammond: bajo y voz.
Barriemore Barlow: batería, percusión y timbal.

Lista de canciones:

"Thick as a Brick, Part I" - 22:40
"Thick as a Brick, Part II" - 21:10

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BLACK CAT BONES - BARBED WIRE SANDWICH (1970)

2008-08-25T00:50:00.011-05:00

A mediados de 1960 se forma en U.K, y en pleno apogeo del blues británico, una banda llamada Black Cat Bones que cuenta con la presencia de Paul Kossoff y de un jovencísimo Simon Kirke en sus filas. Junto a Stuart Brooks, y en formato de power trio, se dedican a recorrer los bares de la zona y logran llamar la atención en una de sus actuaciones del afamado bluesman Champion Jack Dupree, quien les ofrece grabar como banda de acompañamiento en su disco “When you feel the feeling you was feeling”. Este disco verá la luz en el 68 y ese mismo año Kossoff y Kirke abandonan el barco para juntarse a Paul Rodgers y Andy Fraser en lo que vendría a ser una de las bandas más grandes de la historia: Free. No obstante Stuart Brooks decide seguir con el proyecto iniciado años antes y recluta a su hermano Derek, a Rod Price, Phil Lenoir y a Brian Short para grabar lo que hoy en día es uno de los disco más grandes del hard blues underground.

Abre el disco Chauffeur, un tema con un riff similar al Walk in My Shadow de Free. Todo un temaza que muestra la enorme calidad que poseía el grupo y de la que hacen gala durante los escasos 40 minutos que dura el disco. Death Valley Blues es un blues lento, desgarrador, donde el trabajo de las guitarras vuelve a ser fantástico y que da paso a una adaptación del Feeling Good emocionante y que te atrapa de inicio a fin. Los temas más rythm & blues los encontramos en Please Tell Me Baby, Coming Back ó Sylvester’s Blues donde juegan con el slide y con los que no podrás parar de mover la cabeza y los pies… Rythm & Blues de primer nivel! A continuación el heavy blues de Save My Love se encarga de mantener la intensidad y Rod Price aprovecha para dar rienda suelta a sus influencias más duras; sin duda es uno de los temas más elaborados del disco, con unos cambios de ritmo increíbles y con una banda perfecta en todos los sentidos. De igual manera lo demuestran en la acústica Four Women, un tema pausado de 5 minutos envolventes. Cierra el disco Good Loking Woman, un heavy blues de 7 minutos donde los juegos de guitarra son continuos y suenan más poderosas que nunca. Apoteósico final para un disco que tuvo poco reconocimiento pero que dio lugar a bandas como Leafhound, con los hermanos Brooks, o a Foghat, con Rod Price a la guitarra solista. Si todas las separaciones dieran lugar a bandas como estas… bienvenidas sean algunas separaciones.

Lista de temas:

Chauffeur
Death Valley Blues
Feeling Good
Please Tell Me Baby
Coming Back
Save My Love
Four Women
Sylvester's Blues
Good Lookin' Woman

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Baby Grandmothers - Baby Grandmothers (1968)

2008-08-24T23:00:00.005-05:00

Baby Grandmothers fue una banda sueca de corta vida; sin embargo, está considerada como uno de los power-trio más prolífico y experimental de la escena psicodélica.

Somebody Keeps Calling My Name y Being Is More Than Life abren de manera espectacular el disco. Ambos temas recrean una atomósfera alucinante con subidas y bajadas en la intensidad de los instrumentos. Escúchalos y deja que tus oidos experimenten algo realmente ácido.

La segunda parte del disco nos trae cuatro temas en vivo: 45 minutos para dejarte llevar y volar.

ULTRA RECOMENDABLE

Integrantes:

Kenny Håkansson - Guitarra
Bengt “Bella” Linnarsson - Bajo
Pelle Ekman - Batería

Lista de Canciones:

Sombody keeps calling my name
Being Is more Than Life
Bergakungen
Being Is More Than Life (2)
St. George's Dragon
St. George's Dragon (2)
Raw Diamond

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BLUES-O-DELICS (Scott Finch) - SPOONFUL

2008-08-24T22:33:00.002-05:00

Blog Catalog

2008-08-23T21:02:00.002-05:00

The blogger social network: Encuentra excelentes blogs de interés como éste.

BOB DYLAN - BLOOD ON THE TRACKS (1975)

2008-08-19T06:50:00.020-05:00

Album grabado en 1975 por el maestro Dylan luego de su divorcio. Un disco que lleva sangre en los temas, mostrándonos un Dylan con el corazón roto que narra historias de desamor, sí esas que todos hemos vivido. La parte musical es un logro total, un disco con un sonido acústico acompañado de diversos arreglos con instrumentos eléctricos y mucha influencia de folk, blues y country.

Tangled Up In Blue nos relata una historia de amor que fracasa frente a las dificultades, un amor que se muere poco a poco.

She turned around to look at me
As I was walkin' away
I heard her say over my shoulder,
"We'll meet again someday on the avenue,"
Tangled up in blue.

Simple Twist Of Fate es pura nostalgia, es el lamento de uno de los amantes tratando de comprender por qué se murió el amor. El último verso es realmente hermoso:

People tell me it's a sin
To know and feel too much within.
I still believe she was my twin, but I lost the ring.
She was born in spring, but I was born too late
Blame it on a simple twist of fate.

You're a big girl now, una de mis favoritas, es la segunda parte de Simple Twist Of Fate. Aqui el amante se da cuenta que ella ha crecido, ha madurado y lo mas doloroso... lo ha olvidado.

Time is a jet plane, it moves too fast
Oh, but what a shame if all we've shared can't last.
I can change, I swear, oh, oh,
See what you can do.
I can make it through,
You can make it too.

Idiot Wind es la expresión de la rabia de Dylan hacia su esposa. Sin embargo, al final termina por asumir parte de la culpa de aquel "viento idiota" que los arrastra y los separa.

Idiot wind, blowing through the buttons of our coats,
Blowing through the letters that we wrote.
Idiot wind, blowing through the dust upon our shelves,
We're idiots, babe.
It's a wonder we can even feed ourselves.

You're Gonna Make Me Lonesome When You Go.... profunda resignación.

Situations have ended sad,
Relationships have all been bad.
Mine've been like Verlaine's and Rimbaud.
But there's no way I can compare
All those scenes to this affair,
Yer gonna make me lonesome when you go.

Meet Me in the Morning es un blues donde Dylan expresa un dolor incosolable. Basta leer el último versa de la canción para comprender lo que sentía.

They say the darkest hour is right before the dawn
They say the darkest hour is right before the dawn
But you wouldn't know it by me
Every day's been darkness since you been gone.

If You See Her, Say Hello.... muchas veces no logramos olvidar un viejo amor.

Sundown, yellow moon, I replay the past
I know every scene by heart, they all went by so fast
If she's passin' back this way, I'm not that hard to find
Tell her she can look me up if she's got the time.

En Shelter From The Storm, Dylan comprende que a pesar de todos los conflictos de la separación tiene una enorme deuda de gratitud con esa mujer que en algún momento lo abrigo de la tormenta interna que vivía.

Now there's a wall between us, somethin' there's been lost
I took too much for granted, got my signals crossed.
Just to think that it all began on a long-forgotten morn.
"Come in," she said,
"I'll give you shelter from the storm."

Buckets Of Rain:

Like your smile
And your fingertips
Like the way that you move your lips.
I like the cool way you look at me,
Everything about you is bringing me
Misery.

Integrantes:

Bob Dylan - Voz, guitarra, harmónica, órgano, mandolina.
Tony Brown - Bajo
Buddy Cage - Guitarra
Paul Griffin - Ógano

Lista de canciones:

1. Tangled Up in Blue
2. Simple Twist Of Fate
3. You're a Big Girl Now
4. Idiot Wind
5. You're Gonna Make Me Lonesome When You Go
6. Meet Me in The Morning
7. Lily, Rosemary and the Jack of Hearts
8. If You See Her, Say Hell
9. Shelter from The Storm
10. Buckets of Rain

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Pink Floyd - The Dark Side Of The Moon (1973)

2008-08-18T13:00:00.016-05:00

"There is no dark side of the Moon really... as a matter of fact is all dark"

Álbum esencial es cualquier colección musical que se respete, piedra angular en la historia del rock y pieza infaltable en los rankings de “mejores álbumes de la historia”, si no has oído mencionar su nombre o visto por lo menos una vez su mítica portada es porque has estado viviendo en una cueva por los últimos 35 años (jaja no se piquen, es una broma).

Noveno álbum de esta legendaria banda inglesa, supuso un salto evolutivo enorme frente al genial “Meddle”, disco en el que ya era posible apreciar ese sonido tan característico que marcaría la época de oro de Pink Floyd, que alcanzaría su pico más alto (a mi parecer) con el excelentísimo “Wish You Were Here” y culminaría (de nuevo, a mi parecer) con la opera rock “The Wall”.

Pero vamos al disco. Tuvieron que coincidir dos eventos claves para hacer de este álbum un manifiesto musical tan impresionante. Primero, la calidad creativa de la banda había estado en franco ascenso desde hacía varios años. Las líricas se tornaban cada vez más profundas, reflexivas, filosóficas, mientras el sonido adquiría un tono más pulido. Los Floyd lo habían logrado: finalmente, tras años de experimentación, tenían un norte musical definido.

En Segundo lugar, la presencia de Alan Parsons (Si, el mismo de “Alan Parsons Project”) como ingeniero de sonido fue un golazo de media cancha. ¡Y es que parece que el álbum hubiese sido producido ayer! El proceso de grabación y edición se realizó al más alto nivel. Y se nota en el producto final, vaya que si.

Musicalmente hablando, DSOTM es una joya. Lo tiene todo: excelentes letras (que hablan desde el dinero a la muerte, pasando por la locura y el tiempo), atmósferas envolventes y los absolutamente geniales solos de guitarra del fenomenal David Gilmour. Primer álbum conceptual de Pink Floyd y obra maestra que ayudó a masificar el género progre (5to disco más vendido de la historia y con una permanencia record de 26 años en las lista Billboard de los 200 más vendidos) se trata de un disco BÁSICO para los amantes del rock.

Integrantes:

Roger Waters - Bajo, voz, sintetizador, sintetizador VCS3 y efectos de cintas.
David Gilmour - Guitarra, voz y sintetizador, sintetizador VCS3.
Richard Wright - Teclados, sintetizador, sintetizador VCS3 y voz.
Nick Mason - Batería, percusión y efecto de cintas.

Lista de Canciones

"Speak to Me" 1:08
"Breathe" 2:48
"On the Run" 3:50
"Time" 7:04
"The Great Gig in the Sky" 4:48
"Money" 6:24
"Us and Them" 7:49
"Any Colour You Like" 3:26
"Brain Damage" 3:50
"Eclipse" 2:04

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Jeff Wayne - Jeff Wayne's musical version of The War Of The Worlds (1978)

2008-08-15T16:35:00.002-05:00

Corría el año 1978. La época dorada del rock progresivo parecía un recuerdo cada vez más lejano. Bandas míticas como Genesis y Yes viraron o empezaban a virar su estilo musical hacia un sonido más amigable, más comercial. En la radio, el punk rock sonaba a todo volumen, con sus letras desafiantes a todo lo pre-establecido, incluyendo a “esos antiguos dinosaurios con su música pomposa y pretenciosa”. Claro, estos chicos sólo sabían tocar dos acordes y gritar como locos frente a un micrófono, era de esperarse que no entendieran la complejidad y hermosura de una buena pieza de prog rock.

El panorama no pintaba bien para los “prog-head”. ¿Sería este el fin del intento por elevar al rock a una expresión de arte en sí misma? La experiencia nos diría que no, pues tras los decepcionantes 80’s (de donde “Marillion” es lo más rescatable), arribaría, en la década de los 90’s, una nueva era de florecimiento de este género de la cuál nos ocuparemos más adelante.

En fin, volviendo al tema que nos ocupa, el disco que les presento a continuación supuso una bocanada de aire fresco y, por que no decirlo, reanimó a una vertiente que se hacia cada vez más débil frente a otras. Para este fin, Jeff Wayne se inspira en la clásica obra de H.G Wells “The War of the Worlds” (La guerra de los mundos) y los resultados son realmente increíbles. Un doble discazo conceptual en la que Wayne saca lo mejor de su galera, invitándonos al disfrute de los sentidos desde su alucinante portada. Una obra maestra en términos de adaptación musical de una obra literaria lo que lo convierte en un álbum muy, pero muy recomendable.
Se trata de un disco bastante asequible para aquellos que no están familiarizados con expresiones más “avant-garde” del prog rock.

¡Disfrútenlo!

Integrantes:

Jeff Wayne y un staff de músicos profesionales.

Lista de canciones:

Disco 1

"The Eve of the War" – 9:07 (Wayne)
"Horsell Common and the Heat Ray" – 11:35 (Wayne)
"The Artilleryman and the Fighting Machine" – 10:27 (Wayne)
"Forever Autumn" – 7:55 (Wayne, Vigrass, Osborne)
"Thunder Child" – 6:03 (Wayne, Osborne)

Disco 2

"The Red Weed (Part 1)" – 5:51
"The Spirit of Man" – 11:45 (Wayne, Osborne)
"The Red Weed (Part 2)" – 6:19
"Brave New World" – 12:36 (Wayne, Osborne)
"Dead London" – 8:36
"Epilogue (Part 1)" – 2:42
"Epilogue (Part 2) (NASA)" – 2:01

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May Blitz - May Blitz (1970)

2008-08-14T21:00:00.001-05:00

May Blitz se forma en Inglaterra a principios del año 1969 como iniciativa de Tony Newman, ex Jeff Beck Group, quien recluta a James Black y Reid Houdson. Se forma así un power trio de aquellos, de "la vieja escuela". Publicaron solo dos LP's bajo el sello VERTIGO: May Blitz y The 2nd of May.

El disco abre con Smoking the Day Away que tiene un intro de guitarra sencillo pero muy agrio, el cual se conecta perfectamente con el sonido del bajo durante los primeros cuatro minutos del tema. A continuación una asombrosa batería da lugar a un 'viaje' muy placentero en el cual se escucha una guitarra acústica feroz que arremete contra los oídos a toda velocidad. Finalmente regresan al riff inicial que sirve para amortiguar la caída en picada luego de tremendo viaje.

La segunda pista titulada I don't know? comienza muy blusera y en ningún momento sospechas que luego ha de transformarse en una bestia sin control previo diálogo entre el bajo y la batería que sirve de presentación para un solo de guitarra exquisito con mucho fuzz y wah wah.

Dreaming inicia suavemente bajo el acompañamiento de guitarras acústicas que poco a poco se vuelven pesadas hasta llegar a la marcha de una batería. Aquí es donde la voz se escucha muy lejana y como un gran lamento a lo Morrison. El tema finaliza con una explosión de batería para volver a la calma inicial con esas guitarras acústicas que te hipnotizan.

Squeet tiene un riff inicial con un estilo funky que poco a poco y gracias a las habilidades de la banda se convierte en un boogie boogie con unas guitarras que exploran una amplia gama de sonidos, un cierre de locura!

Luego de tanta fuerza instrumental sigue un tema muy psicodelico: Tomorrow... abre tu mente! Disfrútalo!

Penúltima canción del álbum: Fire Queen. Inicialmente se escuchan truenos similares a redobles furiosos de batería y un riff que me trae a la mente Killing Floor de Hendrix. En este punto de la canción parece que no es posible aumentar las revoluciones, sin embargo una voz en segundo plano grita FIRE QUEEEN!!! como preámbulo de un solo de guitarra explosivo que te invita a subir el volumen al máximo para reventar tus ventanas.

Finalmente como diría el gran Héctor: "todo tiene su final, nada dura para siempre" y que mejor con las olas del mar. Así abre Virgin Waters, una canción llena de experimentos acústicos y eléctricos, destacando el uso del trémolo. En lo referente a la voz, podemos escuchar un eco que simula la voz de tu conciencia... siempre y cuando se puedan imaginar como sería eso. Un final de locura para este disco.

ULTRA RECOMENDABLE

Integrantes:

Tony Newman
James Black
Reid Houdson

Lista de Canciones:

"Smoking The Day Away" - 8:19
"I Don't Now" - 4:52
"Dreaming" - 6:40
"Squeet" - 6:51
"Tomorrow May Come" - 4:47
"Fire Queen" - 4:14
"Virgin Waters" - 6:56

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Dream Theater - Greatest Hit (... and 21 other pretty cool songs) (2008)

2008-08-14T18:42:00.001-05:00

Gratest Hit (... and 21 other pretty cool songs) es el último álbum de la grandiosa y extremadamente talentosa banda norteamericana de metal progresivo Dream Theater. Con el titulo de este recopilatorio aluden a su 'único' hit que llego al top 10 de la radio gringa "Pull me Under" y jocosamente a otros 21 buenos titulos divididos en dos discos.
El primer disco llamado "The Dark Side" contiene 11 canciones de clara influencia heavy y metal; el primer titulo es "Pull me Under" como queriendo evitar la fatiga de buscar 'el hit' en todo el album a aquellos que solo gusten de esa cancion. Tambien podemos encontrar la version de estudio del "Peruvian Skies", tema cuya magnifica interpretación en vivo podemos encontrar en un video de esta página. Mientras el segundo disco, llamado "The Light Side", nos brinda 11 temas que muestran el lado melodico de la banda, de los que resalta y personalmente recomiendo "Another Day".
Vale la pena disfrutar de estos discos y darse cuenta que esta pequeña muestra de su discografia no es suficiente.

Integrantes:

James LaBrie – vocales
John Petrucci – guitarra, backing vocals
John Myung – bajo
Mike Portnoy – bateria, backing vocals
Jordan Rudess – teclado (pistas 5–11 en el primer disco y pistas 6–11 en el segundo disco)
Kevin Moore – teclado (pistas 1–3 en el primer disco y pistas 1-4 en el segundo disco)
Derek Sherinian – teclado, backing vocals (pista 4 en el primer disco y pista 5 en el segundo disco)
Jay Beckenstein – saxofon en "Another Day" y "Through Her Eyes"
Theresa Thomason – vocals adicionales en "Through Her Eyes" y "The Spirit Carries On"

Lista de canciones:

Disco 1 – The Dark Side

“Pull Me Under” (2007 Remix)
“Take The Time” (2007 Remix)
“Lie” (Single Edit)
“Peruvian Skies”
“Home” (Single Edit)
“Misunderstood” (Single Edit)
“The Test That Stumped Them All”
“As I Am”
“Endless Sacrifice”
“The Root Of All Evil”
“Sacrificed Sons”

Disco 2 – The Light Side

“Another Day” (2007 Remix)
“To Live Forever”
“Lifting Shadows Off A Dream”
“The Silent Man”
“Hollow Years”
“Through Her Eyes” (Alternate Album Mix)
“The Spirit Carries On”
“Solitary Shell” (Single Edit)
“I Walk Beside You”
“The Answer Lies Within”
“Disappear”

Link de descarga:
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2008-08-14T18:08:00.000-05:00

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METALLICA - ...AND JUSTICE FOR ALL (1988)

2008-08-12T07:03:00.002-05:00

El album mantiene la tendencia establecida con el Ride the Lightning y el Master of Puppets, albums anteriores que imponen una primera cancion heavy y rapida , la cancion melodica y muy compleja como segundo track, una lenta y dura como tercera, una balada en la cuarta y una instrumental como una de las ultimas; pero con una fuerza y un poder cuyas verdaderas dimensiones no se logran apreciar como se debe sino hasta escuchar todo el disco por 2da o 3ra vez y de ahi no parar de hacerlo todo el tiempo.

Altamente recomendable, obviamente hablo del cuarto album de esta grandiosa banda de culto del Heavy Metal, Metallica y su ...And Justice for All. Se usa genialmente las palabras para representar completamente lo contrario de lo que el titulo aparenta decir (And justice/Injustice) representado en el cover del album con una estatua de la justicia atada con cuerdas por todo el cuerpo y con los platos de la balanza llenos de dolares haciendo alusion a un control de la justicia.
Con liricas que hablan de asuntos politicos y sociales, el desempeño instrumental de Metallica opaca musicalmente sus propias letras, mas no quitan su intencion.

A mi parecer uno de los mejores albums de la banda.

Integrantes:

* James Hetfield – voz, guitarra ritmica
* Lars Ulrich – bateria
* Kirk Hammett – guitarra principal
* Jason Newsted – Bajo

Lista de canciones:

1. "Blackened" - 6:41
2. "...And Justice for All" - 9:47
3. "Eye of the Beholder" - 6:30
4. "One" - 7:26
5. "The Shortest Straw" - 6:36
6. "Harvester of Sorrow" - 5:46
7. "The Frayed Ends of Sanity" - 7:44
8. "To Live Is to Die" - 9:49
9. "Dyers Eve" - 5:13

Link de descarga:

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Genesis - Foxtrot (1972)

2008-08-10T17:44:00.012-05:00

“A Flower?”

Hay raras ocasiones en la vida en que las palabras fallan. Al tratar de describir este disco me encuentro en esa situación. Y es que este es GENESIS en uno de sus picos creativos más altos, un álbum genial por donde se le vea y definitivamente un “must have” no sólo para los fanáticos del rock progresivo sino también para aquellos que gustan de la buena música.

El disco abre con la poderosa “Watcher of the Skies” una canción muy “a-la-Gabriel” con liricas bastante ingeniosas y un metrollón glorioso, cortesía de Tony Banks.

La nostálgica “Time Table” es el track más suave, rompe un poco con la atmósfera oscura del disco pero sirve de enlace para lo que se vendrá más adelante y le proporciona el balance necesario al álbum.

Le sigue "Get 'Em Out by Friday" una mini opera en la que Gabriel y compañía nos demuestra que tan lejos puede llegar esta nueva música, con una interpretación vocal excelente que nos narra un distópico futuro no muy lejano.

A continuación una de mis favoritas: “Can-Utility and the Coastliners” una de las canciones más infravaloradas que encontrarán y que posee una sección musical intermedia realmente demoledora .

“Horizons” es un ejemplo de la maestría y habilidad de Steve Hackett, guitarrista de aquellos y creador de las atmósferas más oscuras y alucinantes que haya podido escuchar jamás. Esta canción se convirtió en su firma, así como lo fue “Clap” o “Mood for a Day” para Steve Howe.

Finalmente, si el disco no te gustó hasta acá es imposible que te quedes con la cara larga después de escuchar esta “Magnum opus”. Me refiero por supuesto a la magnífica “Supper’s Ready”, un viaje alucinante de dos jóvenes amantes a través de distintos pasajes de la biblia (incluido el apocalipsis, mi sección preferida) con una composición lírica de ensueño que fluye dentro de un paraíso melódico increíble. Todos y cada uno de los integrantes se lucen en lo suyo, creando momentos de música sublime y un final de infarto, con Gabriel cantando con una voz desgarradora y Hackett arrancándole los más hermosos sonidos a la guitarra, dejándonos con la miel en los labios tras 23 minutos de perfección artística.

En definitiva, uno de los mejores álbumes de una de las mejores bandas del rock progresivo. ¿Qué esperan para escucharlo?

Integrantes:

Peter Gabriel - Voz principal, flauta, oboe, tamborín, pandereta.
Tony Banks - Órgano, metrollón, piano, piano eléctrico, guitarra acústica de 12 cuerdas, coros.
Steve Hackett - Guitarra eléctrica, guitarra acústica de 12 cuerdas y 6 cuerdas solista.
Phil Collins - Batería, percusión y voces.
Mike Rutherford - Bajo, pedaleras, guitarra acústica de 12 cuerdas, cello, coros.

Lista de canciones:

"Watcher of the Skies" – 7:21
"Time Table" – 4:45
"Get 'Em Out by Friday" – 8:36
"Can-Utility and the Coastliners" – 5:44
“Horizons” - 1:39
“Supper’s Ready” - 22:54 (Partes I-VII)

"Lover's Leap"
"The Guaranteed Eternal Sanctuary Man"
"Ikhnaton and Itsacon and Their Band of Merry Men"
"How Dare I Be So Beautiful?"
"Willow Farm"
"Apocalypse in 9/8 (co-starring the delicious talents of Gabble Ratchet)"
"As Sure As Eggs Is Eggs (Aching Men's Feet)"

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JPT Scare Band - Sleeping Sickness (1973-1976)

2008-08-09T03:00:00.004-05:00

Grabaciones recontra caletazas de la banda entre 1973 y 1976. Este disco no se puede describir, sólo tienes que leer el título del track 5 Acid Acetate Excursion y tendras una idea de lo que se viene.

Mucha, pero mucha influencia del maestrazo JIMI HENDRIX = Feedback + Fuzz + Wah Wah!!!!!

Un disco ACIDO que te estremece hasta los huesos!

Integrantes:

Terry Swope - Voz, Guitarra
Paul Grigsby - Bajo
Jeff Littrell - Batería

Lista de canciones:

Sleeping Sickness
Slow Sick Shuffle
King Rat
It's Too Late
Acid Acetate Excursion
I've Been Waiting
Time To Cry

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Killing Floor - Killing Floor (1970)

2008-08-09T02:10:00.003-05:00

Blues, blues, blues, blues y más blues!!!!

Killing Floor abre con un temaza del maestro Willie Dixon: Woman You Need Love. Este cover es realmente alucinate, harta velocidad, furia y mucho boogie. Nobody by my side es el empalme perfecto! con un solo exquisito de harmonica. Come Home Baby es puro punche. Bedtimne Blues tiene un solo de piano realmente pegadizo. ¿Por qué pusieron Sunday Morning en este disco?...aún no lo comprendo, debieron dejarla fuera. Try to Understand... ya saben: "traten de entender". My Mind Can Ride Easy: temón!. Keep On Walking es demasiado 'deliciosa'. Forget it!: I need You baby, I feel so bad. Finalmente: People Change Your Mind: Blues + psicodelia = placer 100% asegurado!

ALTAMENTE RECOMENDADO!!!

Integrantes:

Mick Clarke - Guitarra
Bill Thorndycraft - Voz, harmónica
Lou Martin - Piano
Stuart McDonald - Bajo
Bazz Smith - Batería

Lista de temas:

Woman You Need Love
Nobody by My Side
Come Home Baby
Bedtime Blues
Sunday Morning
Try To Understand
My Mind Can Ride Easy
Wet
Keep On Walking
Forget It!
Lou's Blues
People Change Your Mind

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http://lix.in/-840117

Incredible Hog - Volume I (1973)

2008-08-08T20:52:00.005-05:00

Después de algunos días de ausencia regreso con fuerza y con un discazo entre manos!

Incredible Hog es un power trio londinense formado a inicios de los 70's por Ken Gordon y Jim Holmes.

Volume I es un disco BRUTAL!!!! Riffs demoledores, una base rítmica muy bien cuajada, arpegios acústicos, harmónicas, y solos con sabor a blues. A disfrutarlo!

Integrantes:

Ken Gordon - Voz, Guitarra, Harmónica
Jim Holmes - Bajo
Tony Awin - Batería

Lista de canciones:

Lame
Wreck My Soul
Execution
Tadpole
Another Time
Warning
Walk The Road
There's a Man
To The Sea
Losing Myself

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http://lix.in/-858772

Ufo - Ufo2 Flying (1971)

2008-08-05T22:19:00.003-05:00

UFO se forma en 1969. Originalmente se llamaron Hocus Pocus pero cambiaron su nombre a UFO en honor al club londinense donde se iniciaron. Su primer album UFO1 salió a la luz en 1970 y es un claro ejemplo de hard rock con raices bluseras y mucho boogie. En UFO2 la banda explora mucho más en dirección del space rock. Un disco altamente recomendable.... sólo basta con leer el "Flying" de la portada, disfrútenlo.

Integrantes:

Phill Mogg - Voz
Mick Bolton - Guitarra
Pete Way - Bajo
Andy Parker - Batería

Lista de canciones:

Silver Bird
Star Storm
Prince Kajuku
The Coming Of Prince Kajuku
Flying

Link de descarga:
http://lix.in/-8400bd

Free - Free (1969)

2008-08-03T23:34:00.003-05:00

Uno de los principales grupos británicos de bluesrock. Se formaron en 1968 con Paul Kossoff, Simon Kirke (ambos ex-integrantes de los Black Cat Bones), Andy Fraser (ex-integrante de John Mayall & the Bluesbreakers) y Paul Rodgers (ex-Brown Sugar).

Free es un album muy agradable, cierto que mucho más calmado en comparación al Tons Of Sobs pero esto no le quita méritos. Acompañenlo con un buen vino. Espero que les guste el aporte, en especial a Gaby.

Integrantes:

Paul Rodgers - Voz
Paul Kossoff - Guitarra
Andy Fraser - Bajo
Simon Kirke - Batería

Lista de canciones:

I'll Be Creepin'
Songs of Yesterday
Lying in the Sunshine
Trouble in Double Time
Mouthfull of Grass
Woman
Free Me
Broad Daylight
Mourning Sad Morning

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Fuzzy Duck - Fuzzy Duck (1971)

2008-08-02T13:49:00.002-05:00

Un disco realmente bueno con un órgano hammond de otro planeta.

Afternoon Out es un viaje, solo esperen hasta el minuto 02:55 para que escuchen de lo que era capaz esta banda. Otro tema que destaca es Country Boy donde queda demostrada toda la habilidad de Sharland.

Un disco totalmente recomendable para un paseito. Disfrutenlo!

Integrantes:

Graham White - Voz, Guitarra
Roy Sharland - Órgano Hammond
Mick Hawksworth - Bajo
Paul Francis - Batería

Lista de canciones:

Time Will Be Your Doctor
Mrs. Prouts
Just Look Around You
Afternoon Out
More Than I Am
Country Boy
In Out Time
A Word From Big D
Double Time Woman
Big Brass Band
One More Hour
No Name Face

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Deep Purple - Machine Head (1972)

2008-08-02T10:20:00.005-05:00

Un disco infaltable en cualquier discografia de hard rock que se respete... simplemente un CLÁSICO!!!

Deep Purple en su mítica MKII nos presenta el Machine Head... un disco con mucha fuerza, excelentes solos de guitarra y ni hablar de los teclados por parte de Lord. Sube todo el volumen a tu equipo y escúchalo en orden aleatorio si así lo deseas, siempre quedarás satisfecho. Destacan: Highway Star, Pictures Of Home, Smoke On the Water y Space Truckin'.

Integrantes:

Ian Gillian - Voz
Ritchie Blackmore - Guitarra
Roger Gloover - Bajo
Ian Peace - Bateria
John Lord - Teclados

Lista de canciones:

Highway Star
Maybe I'm a Leo
Pictures Of Home
Never Before
Smoke on the Water
Lazy
Space Truckin'

Link de descarga:
http://rapidshare.com/files/134341321/1972_-_Machine_Head.rar.html